La muestra presenta 19 casos de estudio sobre proyectos de vocación educativa que comparten la reclamación de Jorge Oteiza de disponer de espacios de encuentro, de formación y de crecimiento cultural.

La exposición está comisariada por Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío y Sergio Rubira y es producto de la colaboración con la Fundación Museo Jorge Oteiza.

La muestra se inscribe en una línea de actuación prioritaria del museo dirigida a la producción de proyectos que subrayen y potencien las relaciones que se establecen entre prácticas artística y modelos pedagógicos experimentales. En este línea de trabajo  se sitúan programas como el Instituto de prácticas artísticas JAI y el proyecto educativo MAGNET

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Un sitio para pensar. Escuelas y prácticas educativas experimentales de arte en el País Vasco, 1957-1979, (Sala A3, hasta el 5 de junio de 2022). La muestra se estructura en 19 casos de estudio que analizan otros tantos proyectos desarrollados en ese período caracterizados por su vocación educativa y su voluntad de crear espacios para la investigación y el encuentro en el contexto del arte. Un sitio para pensar está vinculado a otros proyectos desarrollados por Artium Museoa que vinculan arte y pedagogía, como la muestra de Antonio Ballester Moreno celebrada en 2021 o el programa de estudios JAI. Con motivo de la exposición, Artium Museoa ha editado un catálogo y una guía de mano. La investigación y el comisariado de Un sitio para pensar han sido realizados por Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío y Sergio Rubira. La exposición está organizada con la colaboración de la Fundación Museo Jorge Oteiza de Alzuza, donde el próximo miércoles 26 de enero se presentará un nuevo caso de estudio, Un ojo transitivo. El proyecto del Cine Club Irún.

A partir de una constatación de Jorge Oteiza, publicada en Quousque Tandem…! (1963): «Nosotros, que no tenemos ni un lugar de convergencia, ni un simple sitio para reunirnos a pensar, no podemos hablar de investigación», esta exposición se ocupa de esta llamada a la acción para generar espacios para el encuentro que posibiliten la formación y el crecimiento sociopolítico, cultural e intelectual del niño y la niña, el hombre y la mujer en el País Vasco. La muestra recupera y reúne una serie de proyectos con vocación educativa, ya sean de naturaleza colectiva o individual, desarrollados entre 1957 y 1979, que comparten el mismo argumento de necesidad apuntado por Oteiza.

Al añadir al mapa nombres y lugares que dibujan esas experiencias, se visibilizan conexiones entre artistas y geografías que comparten un interés por aspectos clave dentro del panorama artístico vasco y español en ese momento: los debates entre abstracción y figuración, la defensa de la integración de las artes, la urgencia de renovación de la enseñanza artística o la consideración de la función social del arte, donde el niño y la niña como sujetos y destinatarios reciben una atención especial. Con ello se propone una aproximación a los episodios fundacionales del arte vasco contemporáneo, ahora desde los procesos de configuración del artista como educador y la enseñanza artística, sin perder de vista el estudio de ambos ejes desde el contexto histórico-social del momento.

El arco cronológico estudiado se abre en un año en el que confluyen diversas iniciativas y programas dentro y fuera del País Vasco, y coincide con el momento en el que Jorge Oteiza abandona su proceso de experimentación escultórico para centrarse en la reflexión sobre el papel social y político del artista (1957-1979). Se extiende hasta el año en el que la Escuela Superior de Bellas Artes del País Vasco inicia una nueva etapa como Facultad, una conversión en la que el factor nominal contiene la promesa de una transformación de fondo de su estructura, programa, equipamientos y renovación docente.

Entre ambas fechas, se presenta un conjunto de casos, nombres y lugares siguiendo un orden diacrónico que se ve afectado por una narración sincrónica, lo cual evidencia la simultaneidad de experiencias y el desarrollo de las distintas iniciativas educativas de carácter experimental desde las artes plásticas. Se trata de un conjunto de propuestas heterogéneas en sus enunciados y modos de articulación, desarrolladas en el País Vasco en unos años marcados por procesos de renovación y reconstrucción de la sociedad vasca y cuyo denominador común es el no secundar una educación reglada u oficial, señalando con ello que cada «sitio para pensar» activado se convertía en un espacio de posibilidades.

Nota de prensa (pdf)  Cuaderno de sala (pdf)  Sobre la exposición

Actividades asociadas

Conversación con Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Viernes 21 de enero, 18:00 horas. Auditorio de Artium Museoa. También emisión en streaming

Mesa redonda: Prácticas educativas y medio audiovisual. José Antonio Sistiaga y su contexto, 1957-1979. Con Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Jueves 10 de marzo, 18:00 horas. Plaza Kutxa Kultur (Tabakalera, San Sebastián)
Actividad realizada conjuntamente con Kubo Kutxa. Kutxa Fundazioa

Encuentro online sobre el contexto de las escuelas y prácticas experimentales en los años 60 y 70 y su posible aplicación a la estructura y práctica educativa contemporánea
Miércoles 16 de marzo a las 18.00 horas. Organizado por Fundación Museo Jorge Oteiza y Artium Museoa

Próximas visitas guiadas a Un sitio para pensar: domingo 23 de enero, 12:30; miércoles 26 de enero, 18:00; sábado 29 de enero, 17:30; domingo 6 de febrero, 17:30 horas; miércoles 16 de febrero, 18:00 horas; sábado 26 de febrero, 12:30 horas

Un sitio para pensar. Escuelas y prácticas educativas experimentales de arte en el País Vasco, 1957-1979

Sala A3, desde el 21 de enero hasta el 5 de junio de 2022
Comisariado: Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Catálogo, con textos de David Fuente, Juan Pablo Huércanos, Irene López Goñi, Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira, Fátima Sarasola, Miren Vadillo (próxima publicación)
Guía de mano de la exposición
Esta exposición es producto de la colaboración entre Artium Museoa y la Fundación Museo Jorge Oteiza, donde se expondrá uno de sus casos de estudio, Un ojo transitivo. El proyecto del Cine Club Irún (desde el jueves 27 de enero hasta el 30 de abril de 2022)

Programa expositivo 2022. Avance primer semestre

La cinta es el resultado un proyecto de cuatro años de Baudelaire con un grupo de estudiantes del colegio Dora Maar de París. «No es una película sobre niños, sino hecha por niños» que capta los momentos en que estos y estas adolescentes comienzan a ser conscientes de su entorno y a adoptar posturas críticas y políticas

Con motivo de la apertura de la exposición Un film dramatique, de Éric Baudelaire, dentro del programa Sala Z (apertura: jueves 25 de noviembre, desde las 11:00 horas).
Proyección de la película en el Auditorio del museo, con presentación a cargo de la comisaria Garbiñe Ortega.

Miércoles 24 de noviembre, 18:00 horas
Entrada gratuita. Aforo limitado. Inscripciones: 945 20 90 20

¿Qué estamos haciendo juntos? Es una pregunta recurrente para los estudiantes de la clase de cine en la escuela de secundaria Dora Maar, y para Eric Baudelaire (Salt Lake City, EEUU, 1973), que trabajó con ellos durante cuatro años. Responder a esta pregunta política —que conlleva representaciones de poder, violencia social e identidad— los llevó a buscar una forma cinematográfica que hiciera justicia a la singularidad de cada estudiante, pero también a la esencia de su grupo.

Éric Baudelaire (1973) es un artista y cineasta afincado en París. Tras cursar estudios de ciencias políticas, Baudelaire se forjó un nombre como artista visual gracias a una práctica basada en la investigación que incorpora fotografía, imágenes impresas y vídeo. El cine ha ocupado un lugar fundamental en su obra desde 2010.

Sobre la exposición 

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Mariana Castillo Deball. Amarantus, (Sala A2, hasta el 13 de marzo de 2022). La exposición reúne una amplia selección de obras producidas en su mayoría en la última década, en las que se puede rastrear el interés de Castillo Deball por la forma en que el conocimiento y la cultura se producen, representan y difunden y en concreto por los procesos de apropiación y recodificación de la historia precolonial mexicana. Con motivo de la exposición, Artium Museoa ha editado una publicación con texto de la comisaria de la misma, Catalina Lozano. Amarantus está organizada en colaboración con Museum für Gegenwartskunst Siegen (Alemania) y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México).

Amarantus presenta una selección de trabajos de Mariana Castillo Deball (Ciudad de México, 1975) quien, desde sus obras tempranas, se ha interesado por la forma en que el conocimiento y la cultura se producen, representan y difunden. Trabajando diagonalmente entre artes visuales, ciencia y ficción, la artista ha indagado acerca de cómo se ha investigado, apropiado y recodificado la historia precolonial mexicana en diferentes momentos.

La artista ha explorado cómo el azar —producto del tiempo transcurrido, la erosión, la fragmentación y las intervenciones humanas, entre otros factores— determina en gran medida la forma en que aprendemos a describir el mundo y los relatos que elaboramos. Este interés la ha impulsado a investigar la historia de determinados artefactos —que ella llama «objetos incómodos»—, sus devenires, reproducciones, apropiaciones y desapariciones. Estos objetos interpelan a los relatos hegemónicos desde sus condiciones inestables y, para abordarlos, Castillo Deball pone en marcha un ejercicio de imaginación que busca problematizar la relación entre sujetos y objetos establecida por la modernidad, y convierte a estos últimos en narradores de lo que ocurre a su alrededor.

Sus estrategias formales a menudo se aproximan a las metodologías empleadas por los arqueólogos para «atrapar» sus hallazgos. Estos objetos, o imágenes sucedáneas, se acercan conceptualmente a la antigua noción nahua de ixiptla, que puede interpretarse como ‘representación, imagen, sustituto’, pero también ‘piel’. Este concepto resulta indispensable para abordar muchos de los proyectos de Castillo Deball en la última década.

La palabra «amarantus», que da nombre a la exposición, proviene del griego Αμάρανθος y designa a una flor que nunca muere —como la del amaranto, planta indispensable en la alimentación tradicional mexicana, que nunca se marchita—. La flor de amaranto evoca la persistencia de esos «objetos incómodos», restos materiales de devenires históricos azarosos que fascinan a Castillo Deball.

Amarantus integra una veintena de obras fechadas en su mayoría en la última década. Situada a la entrada se encuentra Para qué me diste las manos llenas de color / todo lo que toque se llenará de sol (2018), pintura mural realizada con pigmentos naturales sobre una pared cilíndrica. La instalación Nuremberg Map of Tenochtitlan (2013) es una amplia zona cubierta con tableros de madera en los que la artista reproduce a gran escala el primer mapa de la capital azteca realizado hace 500 años por los colonizadores españoles. Otra obra de grandes dimensiones es Pleasures of Association, and Poissons, such as Love (2017), una instalación en forma de espiral construida en bambú que ilustra la evolución de los vertebrados durante 200 millones de años.

Mariana Castillo Deball
La trayectoria de Mariana Castillo Deball ha sido reconocida con premios internacionales como el de la Galería Nacional de Berlín en 2013; el Zurich Art Prize en 2012; o el Ars Viva Award, en 2009. Ha participado en la Bienal de Sharjah de 2017, la Bienal de Berlín en 2014, la dOCUMENTA (13) de Kassel en 2014 y la Bienal de Venecia en 2011. Recientemente ha presentado exposiciones individuales en Modern Art Oxford (2020), en el Monash University Museum of Art de Melbourne (2019), y en el New Museum de New York City (también en 2019). Desde 2015 es profesora de escultura en la Kunstakademie de Münster (Alemania).

Exposición  Lista de obras  Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes 

Mariana Castillo Deball. Amarantus

Sala A2, desde el 5 de noviembre de 2021 hasta el 13 de marzo de 2022
Comisariado: Catalina Lozano
Publicación, con texto de Catalina Lozano
Conversación entre Mariana Castillo Deball y Catalina Lozano: viernes 5 de noviembre, 18:00 horas
Visitas guiadas en noviembre: domingo 7, 12:30; miércoles 10, 18:00; sábado 13, 17:30; sábado 20, 12:30; miércoles 24, 18:00
En colaboración con Museum für Gegenwartskunst Siegen (Alemania) y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México)

La exposición reúne una amplia selección de pinturas de la serie Paisajes sociales, que la artista inició en la década de los 90. Txaro Arrazola produce inquietantes paisajes contemporáneos que muestran los efectos devastadores de la acción humana sobre el planeta y las personas

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Txaro Arrazola. Una magnífica explotación (Sala A1, hasta el 13 de marzo de 2022). La muestra reúne una amplia selección de pinturas de la serie Paisajes sociales que la artista desarrolla desde la década de los 90, en las que pinta escenarios que representan los efectos devastadores de la acción humana directa o indirecta sobre el planeta y las personas. Una magnífica explotación, que está comisariada por Xabier Arakistain, presenta además otras piezas de aquel período inicial, dibujos, fotografías y patchworks elaborados con ropa adquirida en tiendas del Ejército de Salvación. Con motivo de la exposición, el Museo Artium ha editado una publicación con textos de Arakistain y Rocío de la Villa.

No deja de ser paradójico que “explotar” tenga tres acepciones en español: “extraer de la tierra su riqueza”, “utilizar abusivamente en provecho propio el trabajo o las cualidades de otra persona” y “explosionar, hacer explosión”. El título de esta exposición juega con esas tres acepciones del verbo para proponer conexiones entre ellas desde las que acercarnos a la idea de paisaje contemporáneo en la obra de Txaro Arrazola (Vitoria-Gasteiz 1963).

Una magnífica explotación reúne una amplia selección de pinturas de la serie Paisajes sociales que Txaro Arrazola viene produciendo desde que, en 1993, hizo unos primeros dibujos del paisaje que ofrecía la vista desde la gran ventana de su estudio en una antigua fábrica del entonces ruinoso barrio de Bushwick, en Nueva York. Posteriormente, sus dibujos del natural son sustituidos como referente de sus pinturas por imágenes que toma de periódicos y revistas. Extraer imágenes, fotografías periodísticas, de la breve actualidad que les confieren su soporte, trascender la naturaleza cotidiana de la prensa diaria para convertirlas en un artefacto artístico, extiende su temporalidad pero, sobre todo, expande exponencialmente su funcionalidad.

Mediante ese desplazamiento, Arrazola irá produciendo inquietantes paisajes contemporáneos de diversos puntos del globo que muestran todo tipo de destrozos provocados por la acción humana directa o indirecta. Paisajes que muestran situaciones de pobreza extrema, favelas, campamentos de refugiados de guerra o de migrantes por razones climáticas o económicas. Son pinturas con muy poco color, sombrías o directamente negras, que describen un mundo infeliz, en las que nunca aparecen personas.

Incidiendo en la idea de proximidad y para no interrumpir la impresión de que las obras se expanden más allá de los límites del lienzo, las pinturas no se enmarcan. Como tampoco se enmarcan en el pasado. Lamentablemente, hoy igual que hace 30 años, las obras mantienen una rigurosa actualidad. Los «paisajes sociales» de Txaro Arrazola siguen siendo un paisaje cotidiano demasiado familiar.

Txaro Arrazola
Txaro Arrazola se licenció en Bellas Artes por la UPV/EHU en 1988. Beca Fulbright (1996-1997) y MFA por la Universidad del Estado de Nueva York, Purchase College (1996-1998). Doctora en Bellas Artes (2012). Su trabajo se caracteriza por el compromiso social, la crítica feminista de la representación y la investigación de metodologías colaborativas.

Compagina su práctica artística individual desde la pintura con proyectos transdisciplinares y proyectos colectivos, entre los que destacan los realizados con el colectivo Plataforma A en acciones en el espacio público. Su obra ha sido expuesta, entre otros espacios e instituciones, en la galería Vanguardia (Bilbao, 2019, 2014, 2011, 2007), Fundación Pedro Modesto Campos (Tenerife 2007), Centro Cultural Montehermoso (Vitoria-Gasteiz, 2008, 2005), y Kunstarkaden Der Stadt (Munich 2008).

Nota de prensa (pdf)  Lista de obra  Solicitud de imágenes  Exposición 

Txaro Arrazola. Una magnífica explotación

Sala A1, desde el 29 de octubre de 2021 hasta el 13 de marzo de 2022
Comisariado: Xabier Arakistain
Publicación, con texto de Xabier Arakistain y Rocío de la Villa

La exposición do mess with me contiene los vídeos <3 S P S <3 BLOOD y <3 S P S <3 INK adquiridos en 2020 dentro del plan de apoyo al sector artístico del Gobierno Vasco. Contextos desde una colección, al igual que a los casos de estudio y las rotaciones dentro de la exposición Zeru bat, hamaika bide, pretende incrementar la visibilidad del excepcional fondo contemporáneo del museo

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta dentro del programa expositivo Contextos desde una colección, dos vídeos de la artista Lorea Alfaro, <3 S P S <3 BLOOD y <3 S P S <3 INK, recientemente adquiridos para la Colección del museo (Sala A02, hasta el 16 de enero de 2022). La exposición do mess with me incluye además de estas dos piezas una selección de obras de Alfaro, entre ellas las piezas realizadas con papel pintado Paski y Paretara, y el vídeo Tú re-post. La muestra incluye también la edición de la publicación do mess with me, que contiene una conversación entre Lorea Alfaro y el fotógrafo Rafa Castells. Contextos desde una colección conforma una serie de exposiciones dedicada a dar a conocer la producción de artistas que recientemente han pasado a formar parte de los fondos del museo.

La serie <3 S P S <3 (2016-2017), de la que forman los dos vídeos, representa una forma contemporánea de retrato. Parte del diseño de una camisa de seda hecha a medida para el retratado, un conocido cantante de la escena del trap español. Lorea Alfaro concibe el diseño de la camisa como la realización de un molde: «Un molde es una pieza [CAMISA], o conjunto de piezas acopladas [PATRÓN], interiormente huecas pero con los detalles e improntas exteriores del futuro sólido que se desea obtener [ÉL]. Generalmente, un molde flexible [SEDA] se monta con un contra-molde rígido [VÍDEO] o “madre” [MADRE] que sujete la forma evitando su deformación [VÍDEO]. La ventaja de los moldes flexibles es permitir su desmolde con más delicadeza [SILK], procurando un mejor resultado de la pieza; además, es más liviano [SILK] y duradero [ARTE]».

El estampado de la camisa tiene como motivo repetido el tatuaje que tenía en el antebrazo un familiar de la autora. La exposición muestra la relación que hay entre estos dos vídeos y dos trabajos previos, Paretara y Paski (vinilo sobre pared, 2014-2021), y uno posterior, el vídeo Tú, re-post (2017). Estas relaciones, presentes en todo su trabajo, señalan el interés de esta artista por buscar la manera de insertar en la vida elementos que provengan de un tipo de atención, de cuidado, de tiempo, distintos a los que se dan en los objetos cotidianos.

Lorea Alfaro (Estella-Lizarra, 1982) es artista. Sus trabajos más recientes se han podido ver en las exposiciones 2020, junto con Jon Otamendi (Fundación Joan Miró, 2021), Un mundo sin cualidades (Galería CarrerasMugica, 2020) o No lo banalices (Galería CarerrasMugica, 2018, 948Merkatua, 2019). Desde 2014 trabaja a través de la marca hueca LA. Por otra parte, con motivo de esta exposición, el Museo ha editado un nuevo ejemplar de la serie #Bilduma, en la que se publican textos de escritores, comisarios e historiadores sobre obras y artistas que forman parte de su fondo patrimonial de carácter público. En esta ocasión, la publicación recoge una conversación entre Lorea Alfaro y el también artista Rafa Castells.

Contextos desde una colección
Contextos desde una colección, el programa al que pertenece esta exposición de Lorea Alfaro, se suma a partir de 2021 a otras iniciativas que tienen como finalidad promover el conocimiento de la Colección de Artium Museoa, un excepcional fondo contemporáneo de carácter público integrado por casi 2.400 obras de arte. Así, además de la exposición permanente de la Colección, Zeru bat, hamaika bide, la Sala A01 acoge casos de estudio y exposiciones vinculadas al trabajo de investigación y la cronología 1977-2002 desplegada en esta muestra. La propia exposición Zeru bat, hamaika bide conoce periódicamente modificaciones que incorporan nuevos recorridos internos. La creación de la serie #Bilduma dentro del programa de publicaciones del Museo se enmarca en este mismo objetivo.

El programa de adquisiciones del museo contribuye a explorar y a dar cuenta de los debates y las prácticas que se están desarrollando en el campo del arte en el momento presente, y es además una herramienta indispensable para tomar el pulso a un momento caracterizado por su dinamismo y su complejidad. Esta es una de las funciones fundamentales del Museo: fomentar la producción de patrimonio contemporáneo e impulsar a los y las artistas y sus producciones.

Daniel Llaría, Nadia Barkate y Lorea Alfaro son las y los artistas que han participado en este programa en 2021.

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes  Exposición 

Lorea Alfaro. do mess with me. Contextos desde una colección

Sala A02, desde el 17 de septiembre de 2021 hasta el 16 de enero de 2022
Publicación: do mess with me. Lorea Alfaro/Rafa Castells.    

La artista británica es conocida por su trabajo cinematográfico, que compagina con su interés por la pintura y el grabado. La obra de Nashashibi muestra «la importancia de tejer lazos que puedan (…) hacer posible una existencia más agradable y amable». La muestra incluye varias pinturas realizadas durante la estancia de la artista en Artium Museoa para el montaje del proyecto

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta a la artista Rosalind Nashashibi en un nuevo proyecto expositivo para su programa Sala Z (hasta el 14 de noviembre de 2021). La propuesta incluye la proyección de dos películas de la artista británica, Vivian’s Garden y Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, junto con diversas pinturas realizadas por Nashashibi durante su estancia en el museo con motivo de la preparación de la exposición. Con este motivo, el museo ha editado una publicación con texto de Francisco Salas. El programa Sala Z integra un espacio para visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo, y está comisariado por Garbiñe Ortega.

Rosalind Nashashibi (Croydon, Londres, 1973) es conocida fundamentalmente por sus trabajos cinematográficos en formato de 16mm; realiza películas que parten de experiencias personales y de la observación del comportamiento humano y las relaciones sociales en determinadas comunidades. La artista compagina el cine con su interés por la pintura y el grabado como formas de expresión. Junto a las dos películas que se proyectarán en la Sala Z, la artista ha realizado diversas pinturas para este proyecto en el Museo Artium. En sus obras tienen cabida cuestiones como el compromiso político y social, el género, la familia o el sentido de comunidad.

Tal y como indica Francisco Salas en su texto para la publicación, «la capacidad de Rosalind Nashashibi de aportar una perspectiva humanista a la temática de sus películas hace de ella una artista esencial en el contexto de un mundo necesitado de una belleza más sensible y significativa». Salas destaca también en Nashashibi «la importancia de tejer lazos que puedan sostener y hacer posible una existencia más agradable y amable».

Las películas
Vivian’s Garden (El jardín de Vivian) (2017) muestra la relación entre Vivian Suter y su madre, Elisabeth Wild, dos artistas emigradas suizo/austríacas que viven en la selva de Panajachel, Guatemala, donde han desarrollado una composición matriarcal en un entorno que ofrece tanto refugio como terror. La película recoge la mirada cercana y soñadora de sus vidas artísticas, emocionales y económicas, además de las ampliaciones de sus familias: los mayas como ayudantes y guardianes de la casa y unos cuantos perros, lo que nos muestra un reflejo tierno en un momento de complejidad poscolonial.

Por su parte, la película Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, (Primera parte:Donde hay un ambiente festivo, aparecerá un camarada para compartir un vaso de vino) (2018), se aproxima a las relaciones afectivas y a la construcción de comunidad. Toma forma de conjuro o promesa acerca de un tipo de estructura familiar liberador. Su narrativa, no lineal, entrelaza varios escenarios de la intimidad, algunos situados en espacios domésticos compartidos, otros en ambientes exteriores. Rodada en Lituania, Londres y Edimburgo, la película presenta a la artista y a sus hijos, así como a sus amigos íntimos, a los que considera familia extensa, y con los que explora nuevos modos de convivencia.

Las pinturas
Nashashibi ha realizado in situ para este proyecto tres pinturas dobles, que la conectan con el entorno. En una de ellas aparece una sandía, imagen utilizada como sustituta de la bandera palestina, ya que la combinación de sus colores —negro, blanco, verde y rojo— fue ilegalizada por las fuerzas de ocupación israelíes desde 1967 hasta después de la formación de la entidad palestina. Nashashibi señala la similitud con los colores de la bandera vasca.

La artista cita asimismo el conjuro de la cultura tradicional vasca «laino guztien azpitik eta sasi guztien azpitik» (por debajo de todas las nubes… y por encima de todas las zarzas) al que se hace referencia en al exposición Zeru bat, hamaika bide, de la Colección del museo. Adoptado por el poeta Joxean Artze en 1973, definió, como la sandía en la Palestina ocupada, un campo de acción social y político, poniendo la tierra en el centro de la lucha.

Experimentar el momento en múltiples capas ha sido un tema recurrente en las pinturas y películas de Nashashibi. Por debajo las nubes y por encima de las zarzas; del mismo modo, las formas de estas pinturas habitan distintos estados: partidas por la mitad, están tanto en el suelo como por encima de él.

Rosalind Nashashibi
Nashashibi es una cineasta y pintora afincada en Londres. Sus películas describen las cualidades de la experiencia, las cosas y los lugares. Se plantea algunas preguntas: ¿cómo trabajamos?; ¿cómo nos cuidamos unos a otros?; ¿cómo podemos navegar por nuestras propias instituciones?

Entre sus exposiciones individuales se incluyen las organizadas en el Museo Imperial de la Guerra, Londres; UCI de California; Objectif, Amberes; Institute of Contemporary Arts, Londres; y Chisenhale Gallery, también en la capital del Reino Unido. Ha expuesto en Manifesta 7, la Trienal Nórdica y Sharjah 10. Representó a Escocia en la 52ª edición de la Bienal de Venecia. Ha recibido el premio Paul Hamlyn para artistas y en 2003 fue la primera mujer en ganar el Becks Futures. En 2017 participó en la documenta14 de Atenas y Kassel, y ha sido nominada para el Premio Turner.

Sala Z
El programa Sala Z (zinema) no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo desde la reflexión acerca de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico. Entre las cuestiones que atraviesan las obras del programa destaca el interés y la investigación que despliegan sus autores y autoras sobre la idea de lo colectivo, los modos en los que seguir pensando y trabajando en común y proyectando un futuro compartido

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes. Rosalind Nashashibi  Exposición 

Rosalind Nashashibi. Vivian's Garden / Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine

Sala Z, desde el 17 de septiembre hasta el 14 de noviembre de 2021
Películas

• Vivian's Garden, 2017, 30 min. Transferencia digital de película de 16 mm.
• Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, 2018, 18 min. Transferencia digital de película de 16 mm.

Publicación, con texto de Francisco Salas
Sala Z es un programa de cine comisariado por Garbiñe Ortega

¿Qué estamos haciendo juntos? Es una pregunta recurrente para los estudiantes de la clase de cine en la escuela de secundaria Dora Maar, y para Eric Baudelaire (Salt Lake City, EEUU, 1973), que trabajó con ellos durante cuatro años. Responder a esta pregunta política —que conlleva representaciones de poder, violencia social e identidad— los llevó a buscar una forma cinematográfica que hiciera justicia a la singularidad de cada estudiante, pero también a la esencia de su grupo.

¿Qué estamos haciendo juntos, si no se trata de un documental ni de una ficción? Una película dramática, tal vez, donde el tiempo hace su trabajo en los cuerpos y en el discurso de los estudiantes, y donde descubrimos la posibilidad de que cada uno hable en su propio nombre al filmar para otros y de que se conviertan en coautores de la película y sujetos de sus propias vidas.

Éric Baudelaire (1973) es un artista y cineasta afincado en París. Tras cursar estudios de ciencias políticas, Baudelaire se forjó un nombre como artista visual gracias a una práctica basada en la investigación que incorpora fotografía, imágenes impresas y vídeo. El cine ha ocupado un lugar fundamental en su obra desde 2010. Películas como Un film dramatique (2019), Also Known as Jihadi (2017), Letters to Max (2014), The Ugly One (2013) o The Anabasis of May and Fusako Shigenobu, Masao Adachi and 27 Years Without Images (2011) se han proyectado en numerosos festivales de cine (entre ellos, Locarno, Toronto, Nueva York, FID Marseille y Rotterdam). Cuando forman parte de sus exposiciones, las películas de Baudelaire se integran en amplias instalaciones que combinan obra en papel, performances, publicaciones y programas públicos; ejemplos de ello son proyectos como APRÈS, exhibido en el Centre Pompidou de París, o The Secession Sessions, que se ha podido ver en la Berkeley Art Museum, el Bétonsalon de París, el Bergen Kunsthall y el Sharjah Biennial 12.

Baudelaire ha tenido exposiciones individuales en espacios como el Witte de With (Rotterdam), el Fridericianum (Kassel), el Beirut Art Center, Gasworks (Londres)o el Hammer Museum de Los Ángeles, y ha participado en la Bienal del Whitney de 2017, la Trienal de Yokohama de 2014, Mediacity Seoul 2014 y la Bienal de Taipei. Su obra figura en las colecciones del Museo Reina Sofía de Madrid, el MACBA de Barcelona, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centre Pompidou de París, el MMK de Fráncfort, el MUDAM de Luxemburgo, el MMCA de Seúl y el M+ de Hong Kong. En 2019 Baudelaire recibió una beca Fellowship de la Guggenheim Foundation y ganó el Prix Marcel Duchamp.

Comisariado: Garbiñe Ortega

Prensa  Publicación  

La Sala Z (de zinema, cine en euskera) quiere hacer descubrir a los públicos una comunidad de autores contemporáneos interesados en narrar desde diversos ángulos que les permitan explorar las posibilidades del lenguaje cinematográfico, cuestionándose los géneros que categorizan históricamente esta disciplina. La temporada 2021 se caracteriza por reunir piezas audiovisuales que investigan sobre la idea de lo colectivo, sobre cómo podemos seguir pensando, proyectando y trabajando juntos.

Rosalind Nashashibi (Croydon, Londres, 1973) presenta en la Sala Z del Museo Artium dos piezas de su filmografía (Vivian's Garden y Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine), junto con tres pinturas realizadas por Nashashibi durante su estancia en el museo con motivo de la preparación de la exposición.

Nashashibi es una cineasta y pintora afincada en Londres. Sus películas describen las cualidades de la experiencia, las cosas y los lugares. Se plantea algunas preguntas: ¿cómo trabajamos? ¿Cómo nos cuidamos unos a otros? ¿Cómo podemos navegar por nuestras propias instituciones?

Entre sus exposiciones individuales se incluyen las organizadas en el Museo Imperial de la Guerra, Londres; UCI de California; Objectif, Amberes; Institute of Contemporary Arts, Londres; y Chisenhale Gallery, también en la capital del Reino Unido. Ha expuesto en Manifesta 7, la Trienal Nórdica y Sharjah 10. Representó a Escocia en la 52ª edición de la Bienal de Venecia. Ha recibido el premio Paul Hamlyn para artistas y en 2003 fue la primera mujer en ganar el Becks Futures. En 2017 participó en la documenta14 de Atenas y Kassel, y ha sido nominada para el Premio Turner.

Vivian’s Garden, 2017.
Vivian Suter y su madre, Elisabeth Wild, son dos artistas emigradas suizo/austríacas que viven en Panajachel, Guatemala, donde han desarrollado una composición matriarcal en un entorno que ofrece tanto refugio como terror. La película recoge la mirada cercana y soñadora de sus vidas artísticas, emocionales y económicas, además de las ampliaciones de sus familias: los mayas como ayudantes y guardianes de la casa y unos cuantos perros, lo que nos muestra un reflejo tierno en un momento de complejidad poscolonial.

Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, 2018
Esta película se aproxima a las relaciones afectivas y a la construcción de comunidad. Toma forma de conjuro o promesa acerca de un tipo de estructura familiar liberador. Su narrativa, no lineal, entrelaza varios escenarios de la intimidad, algunos situados en espacios domésticos compartidos, otros en ambientes exteriores. Rodada en Lituania, Londres y Edimburgo, la película presenta a la artista y a sus hijos, así como a sus amigos íntimos, a los que considera familia extensa, y con los que explora nuevos modos de convivencia.

Publicación  Prensa 

Conversación entre Rosalind Nashashibi y Garbiñe Ortega: jueves 16 de septiembre, 18:00 horas.

Comisariado: Garbiñe Ortega

La Sala Z (de zinema, cine en euskera) quiere hacer descubrir a los públicos una comunidad de autores contemporáneos interesados en narrar desde diversos ángulos que les permitan explorar las posibilidades del lenguaje cinematográfico, cuestionándose los géneros que categorizan históricamente esta disciplina. La temporada 2021 se caracteriza por reunir piezas audiovisuales que investigan sobre la idea de lo colectivo, sobre cómo podemos seguir pensando, proyectando y trabajando juntos.