La muestra permite examinar mediante series de trabajos de distintos momentos la producción del artista desde los años 80 hasta el presente. La muestra forma parte de un proyecto curatorial único que se despliega simultáneamente en el Museo Reina Sofía de Madrid y en Artium Museoa

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, presenta la exposición Néstor Sanmiguel Diest. La peripecia del autómata (Sala A3, hasta el 1 de noviembre de 2022). La exposición presenta cerca de 80 obras, además de una amplia selección de dibujos de sus “cuadernos de trabajo”, que en conjunto ofrecen la oportunidad de examinar la producción del artista desde finales de la década de los 80 hasta el presente. La muestra forma parte de un proyecto curatorial único integrado por dos exposiciones distintas, la de Artium Museoa y la que se presentó el pasado 2 de junio en el Palacio de Velázquez del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Con ocasión de esta exposición, ambos museos preparan la edición de una publicación que contará con textos de Beatriz Herráez, comisaria del proyecto y Peio Aguirre, y recogerá una conversación entre Néstor Sanmiguel Diest y Ángel Calvo Ulloa.

La peripecia del autómata despliega series de trabajos ejecutadas en distintos momentos de la trayectoria de Néstor Sanmiguel Diest (Zaragoza, 1949) y dibuja un recorrido que permite adentrarse en la práctica de un autor que se define a sí mismo como un «artista de taller». Junto con piezas de colecciones privadas y del propio autor, la muestra integra cuatro pinturas de la Colección Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco: En la penumbra de tu corazón (1994), Los sentimientos no expresados del lehendakari (2004), El arte de esquivar (2004) y La hija del capitán (2004).

Desde los primeros años de su actividad, vinculado a la fundación de colectivos artísticos como A Ua Crag, y el Segundo partido de la montaña, Sanmiguel Diest se presenta como un productor metódico y prolífico que idea de modo ininterrumpido sistemas, reglas y protocolos, que aplica en la construcción de sus piezas. Su obra ingente, principalmente dibujos y pinturas, conforma un catálogo singular en el que se confunden los límites entre imagen y texto, como en un palimpsesto que desvela y oculta al mismo tiempo una sucesión de relatos que interpelan al espectador.

La cronología de la exposición se inicia a finales de los ochenta, momento en el que el artista mantiene una doble ocupación, en su taller y empleado como patronista en una factoría textil, un lugar que no abandona plenamente hasta el año 2000. Del ejercicio de esta profesión derivan la aplicación de una lógica meticulosa y precisa en sus procesos de trabajo y los guiños y referencias persistentes al espacio de la fábrica y a una iconografía militante. Del mismo modo que en la industria, Sanmiguel Diest traslada la jornada laboral, de (al menos) ocho horas al día, a la ejecución de una producción sistematizada en su estudio. Una cadena de montaje transferida al taller del artista en la que es habitual el empleo de troqueles, patrones y matrices en el interior de sus piezas a modo de collages, mediante el frottage y la copia.

En distintas ocasiones, Sanmiguel Diest se ha referido a su práctica como el «oficio de esquivar», una premisa que se materializa en su forma de situarse en la periferia, no solo geográfica, sino también discursiva y material. Este rehuir o alejarse de las narrativas y los debates más extendidos, ha funcionado como táctica y método, generando un pensamiento y un corpus de trabajo que cuestiona y desafía los modos de producción contemporáneos y su organización del tiempo.

Alejado de cualquier convención, su trabajo se sitúa en un campo en el que son frecuentes las referencias a los ámbitos de la historia del arte, la literatura y la música, pero también a lo más cotidiano y ordinario, al incorporar en sus piezas documentos, facturas, fragmentos de textos, notas o páginas de prensa. Se trata de una invitación a pasear por una selva de símbolos, un lugar plagado de silencios expresivos, en una negociación constante con aquello que se agolpa en los márgenes y que, con frecuencia, pasa desapercibido. Una producción que no participa de una interpretación literal del mundo, y que se asienta en una simultaneidad de apropiaciones y citas, como un mecanismo potencialmente infinito y circular que sorprende por su densidad.

Néstor Sanmiguel Diest
El artista vive y trabaja en Aranda de Duero. En el año 1985 fundó en esta localidad, junto a los artistas Rufo Criado, Rafael Lamata o Jesús Max, entre otros, el colectivo de artistas A Ua Crag; también participó en la creación de los grupos Red District o el II Partido de la Montaña. En los 90 inicia una intensa trayectoria individual que inicialmente, hasta finales de esa década, compaginó con su trabajo como patronista en una fábrica textil. Su producción se sustenta en el desarrollo riguroso de complejas tramas visuales y narrativas, obras no exentas de ironía realizadas a partir de minuciosos trazados geométricos y combinaciones de módulos que se repiten de manera sistemática sobre las superficies de las telas y el papel.
Su obra se encuentra en las colecciones del MACBA, MNCARS, MUSAC y Artium Museoa, entre otras entidades, así como en numerosos fondos institucionales y privados. Ha celebrado exposiciones individuales en espacios como el Museo Reina Sofía, el MUSAC de León, Centro Cultural Montehermoso, Galería Maisterravalbuena de Madrid y Trayecto Galería en Vitoria-Gasteiz.

Néstor Sanmiguel Diest. La peripecia del autómata
Sala A3, desde el 24 de junio hasta el 1 de noviembre de 2022
La peripecia del autómata es un proyecto curatorial que se despliega en dos exposiciones simultáneas: una en Madrid, en la sede del Palacio de Velázquez del Museo Reina Sofía, y otra en Vitoria-Gasteiz, en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa.

Documentos para descargar

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Programa especial de vacaciones de Pascua: exposiciones, visitas, talleres abiertos

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Escuelas y prácticas educativas experimentales de arte en el País Vasco 1957-1979

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La pieza central de la exposición es Lucía con zeta, un vídeo fechado en 1998 perteneciente a los fondos del museo, que se muestra en contexto con otras dos obras de Munduate.

Contextos desde una colección, al igual que a los casos de estudio y las rotaciones dentro de la exposición Zeru bat, hamaika bide, pretende incrementar la visibilidad del excepcional fondo contemporáneo del museo.

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, presenta dentro del programa Contextos desde una colección la exposición Cuerpos por un momento, de Ion Munduate (Sala A02, hasta el 29 de mayo de 2022). La pieza central de la muestra es Lucía con zeta, un vídeo fechado en 1998 que fue adquirido en 2020 en el marco de la iniciativa Colección compartida. Con motivo de esta exposición, Artium Museoa ha editado una publicación con texto de Sergio Prego. Contextos desde una colección tiene entre sus finalidades, junto con otras iniciativas, promover el conocimiento de la Colección Museo Artium presentando obras de reciente adquisición en conjunto con otras piezas del mismo o de la misma artista.

Las obras recogidas en Cuerpos por un momento (Caja Roja, 1998, Lucia con zeta, 1998 y Traduciendo Locus, Cuaderno 1, 2016, este último realizado con Blanca Calvo) tienen en común el dibujo y la anotación como origen de su ejecución, videos que han sido realizados en diferentes momentos de la trayectoria del artista.

Algo deviene otra cosa porque está en movimiento, porque se localiza entre un momento inmediatamente anterior y otro inmediatamente posterior. Cada movimiento está basado en un contra movimiento, o en que, en la recuperación del movimiento, se produce una compensación o “respiración” que es lo que produce su volumen. Desde una situación de inmovilidad, producida por el aprendizaje de la danza, el artista tuvo que recomenzar a pensar el movimiento y su práctica, encontrarse con el cuerpo perdido.

El inicio de cada proceso, de cada performance o video, comenzaba dibujando. El primer ser dibujado, denominado Personne (Nadie), en su obra Lucía con zeta (1998), aprendía a caminar. La serie de dibujos instaba a moverse, a producir frases de movimiento. La noción de anotación y escritura es la que produce el movimiento de esta pieza. Esta sería su primera partitura de movimiento, en un intento de atrapar el tiempo, el tiempo de ser.

Durante la lectura de los dibujos prioriza la noción de ser dibujo, no sujeto, pensar el cuerpo en movimiento como un trazo. Pensar en un movimiento de alejamiento de algo, y acercamiento a algo, la noción de intervalo. El intervalo entendido como lo hace Ashkan Sepahvand, escritor y traductor: “(…) como un proceso de hibridación y mutación más que de separación, un acto de renovación, no de transferencia”.

Ion Munduate (San Sebastián 1969), formado en danza-performance y técnicas zen en San Sebastián, Madrid y París. En su obra utiliza tanto video como instalaciones y performance. Ha sido co-director de Mugatxoan (1998- 2012), proyecto por el que en 2015 recibió, junto a Blanca Calvo, el premio Gure Artea como reconocimiento a la actividad realizada en el ámbito de las artes visuales.

Contextos desde una colección
Contextos desde una colección, el programa al que pertenece esta exposición de Ion Munduate, tiene como finalidad, junto con otras iniciativas, promover el conocimiento de la Colección Museo Artium, un excepcional fondo contemporáneo de carácter público integrado por casi 2.400 obras de arte. Así, además de la exposición permanente de la Colección, Zeru bat, hamaika bide, la Sala A01 acoge, en general, casos de estudio y exposiciones vinculadas al trabajo de investigación y la cronología 1977-2002 desplegada en esta muestra. La propia exposición Zeru bat, hamaika bide conoce periódicamente modificaciones que incorporan nuevos recorridos internos. La creación de la serie #Bilduma dentro del programa de publicaciones del Museo se enmarca en este mismo objetivo.

El programa de adquisiciones del Museo contribuye a explorar y a dar cuenta de los debates y las prácticas que se están desarrollando en el campo del arte en el momento presente, y es además una herramienta indispensable para tomar el pulso a un momento caracterizado por su dinamismo y su complejidad. Esta es una de las funciones fundamentales del Museo: fomentar la producción de patrimonio contemporáneo e impulsar a los y las artistas y sus producciones.

El Museo Artium incorporó a su colección en 2020 la obra Lucía con zeta de Ion Munduate, dentro del programa de adquisiciones Colección compartida promovido por el Gobierno Vasco. Munduate inicia el programa Contextos desde una colección en 2022. Daniel Llaría, Nadia Barkate y Lorea Alfaro fueron las y los artistas que participaron en este ciclo 2021.

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes  Exposición 

Ion Munduate. Cuerpos por un momento

Contextos desde una colección
Sala A02, desde el 4 de febrero hasta el 29 de mayo de 2022
Publicación, con texto de Sergio Prego

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La muestra se centra, mediante películas, dibujos y objetos, en la figura de autoras pioneras en la creación de música electrónica. El área de proyección de la Sala Z del museo presenta las películas Oramics: Atlantis Anew, Little Doorways to Paths Not Yet Taken y Hacer una diagonal con la música.

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La muestra presenta 19 casos de estudio sobre proyectos de vocación educativa que comparten la reclamación de Jorge Oteiza de disponer de espacios de encuentro, de formación y de crecimiento cultural.

La exposición está comisariada por Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío y Sergio Rubira y es producto de la colaboración con la Fundación Museo Jorge Oteiza.

La muestra se inscribe en una línea de actuación prioritaria del museo dirigida a la producción de proyectos que subrayen y potencien las relaciones que se establecen entre prácticas artística y modelos pedagógicos experimentales. En este línea de trabajo  se sitúan programas como el Instituto de prácticas artísticas JAI y el proyecto educativo MAGNET

El Museo Artium, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Un sitio para pensar. Escuelas y prácticas educativas experimentales de arte en el País Vasco, 1957-1979, (Sala A3, hasta el 5 de junio de 2022). La muestra se estructura en 19 casos de estudio que analizan otros tantos proyectos desarrollados en ese período caracterizados por su vocación educativa y su voluntad de crear espacios para la investigación y el encuentro en el contexto del arte. Un sitio para pensar está vinculado a otros proyectos desarrollados por Artium Museoa que vinculan arte y pedagogía, como la muestra de Antonio Ballester Moreno celebrada en 2021 o el programa de estudios JAI. Con motivo de la exposición, el Museo Artium ha editado un catálogo y una guía de mano. La investigación y el comisariado de Un sitio para pensar han sido realizados por Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío y Sergio Rubira. La exposición está organizada con la colaboración de la Fundación Museo Jorge Oteiza de Alzuza, donde el próximo miércoles 26 de enero se presentará un nuevo caso de estudio, Un ojo transitivo. El proyecto del Cine Club Irún.

A partir de una constatación de Jorge Oteiza, publicada en Quousque Tandem…! (1963): «Nosotros, que no tenemos ni un lugar de convergencia, ni un simple sitio para reunirnos a pensar, no podemos hablar de investigación», esta exposición se ocupa de esta llamada a la acción para generar espacios para el encuentro que posibiliten la formación y el crecimiento sociopolítico, cultural e intelectual del niño y la niña, el hombre y la mujer en el País Vasco. La muestra recupera y reúne una serie de proyectos con vocación educativa, ya sean de naturaleza colectiva o individual, desarrollados entre 1957 y 1979, que comparten el mismo argumento de necesidad apuntado por Oteiza.

Al añadir al mapa nombres y lugares que dibujan esas experiencias, se visibilizan conexiones entre artistas y geografías que comparten un interés por aspectos clave dentro del panorama artístico vasco y español en ese momento: los debates entre abstracción y figuración, la defensa de la integración de las artes, la urgencia de renovación de la enseñanza artística o la consideración de la función social del arte, donde el niño y la niña como sujetos y destinatarios reciben una atención especial. Con ello se propone una aproximación a los episodios fundacionales del arte vasco contemporáneo, ahora desde los procesos de configuración del artista como educador y la enseñanza artística, sin perder de vista el estudio de ambos ejes desde el contexto histórico-social del momento.

El arco cronológico estudiado se abre en un año en el que confluyen diversas iniciativas y programas dentro y fuera del País Vasco, y coincide con el momento en el que Jorge Oteiza abandona su proceso de experimentación escultórico para centrarse en la reflexión sobre el papel social y político del artista (1957-1979). Se extiende hasta el año en el que la Escuela Superior de Bellas Artes del País Vasco inicia una nueva etapa como Facultad, una conversión en la que el factor nominal contiene la promesa de una transformación de fondo de su estructura, programa, equipamientos y renovación docente.

Entre ambas fechas, se presenta un conjunto de casos, nombres y lugares siguiendo un orden diacrónico que se ve afectado por una narración sincrónica, lo cual evidencia la simultaneidad de experiencias y el desarrollo de las distintas iniciativas educativas de carácter experimental desde las artes plásticas. Se trata de un conjunto de propuestas heterogéneas en sus enunciados y modos de articulación, desarrolladas en el País Vasco en unos años marcados por procesos de renovación y reconstrucción de la sociedad vasca y cuyo denominador común es el no secundar una educación reglada u oficial, señalando con ello que cada «sitio para pensar» activado se convertía en un espacio de posibilidades.

Nota de prensa (pdf)  Cuaderno de sala (pdf)  Sobre la exposición

Actividades asociadas

Conversación con Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Viernes 21 de enero, 18:00 horas. Auditorio de Artium Museoa. También emisión en streaming

Mesa redonda: Prácticas educativas y medio audiovisual. José Antonio Sistiaga y su contexto, 1957-1979. Con Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Jueves 10 de marzo, 18:00 horas. Plaza Kutxa Kultur (Tabakalera, San Sebastián)
Actividad realizada conjuntamente con Kubo Kutxa. Kutxa Fundazioa

Encuentro online sobre el contexto de las escuelas y prácticas experimentales en los años 60 y 70 y su posible aplicación a la estructura y práctica educativa contemporánea
Miércoles 16 de marzo a las 18.00 horas. Organizado por Fundación Museo Jorge Oteiza y Artium Museoa

Próximas visitas guiadas a Un sitio para pensar: domingo 23 de enero, 12:30; miércoles 26 de enero, 18:00; sábado 29 de enero, 17:30; domingo 6 de febrero, 17:30 horas; miércoles 16 de febrero, 18:00 horas; sábado 26 de febrero, 12:30 horas

Un sitio para pensar. Escuelas y prácticas educativas experimentales de arte en el País Vasco, 1957-1979

Sala A3, desde el 21 de enero hasta el 5 de junio de 2022
Comisariado: Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Catálogo, con textos de David Fuente, Juan Pablo Huércanos, Irene López Goñi, Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira, Fátima Sarasola, Miren Vadillo (próxima publicación)
Guía de mano de la exposición
Esta exposición es producto de la colaboración entre Artium Museoa y la Fundación Museo Jorge Oteiza, donde se expondrá uno de sus casos de estudio, Un ojo transitivo. El proyecto del Cine Club Irún (desde el jueves 27 de enero hasta el 30 de abril de 2022)

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La cinta es el resultado un proyecto de cuatro años de Baudelaire con un grupo de estudiantes del colegio Dora Maar de París. «No es una película sobre niños, sino hecha por niños» que capta los momentos en que estos y estas adolescentes comienzan a ser conscientes de su entorno y a adoptar posturas críticas y políticas

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Con motivo de la apertura de la exposición Un film dramatique, de Éric Baudelaire, dentro del programa Sala Z (apertura: jueves 25 de noviembre, desde las 11:00 horas).
Proyección de la película en el Auditorio del museo, con presentación a cargo de la comisaria Garbiñe Ortega.

Miércoles 24 de noviembre, 18:00 horas
Entrada gratuita. Aforo limitado. Inscripciones: 945 20 90 20

¿Qué estamos haciendo juntos? Es una pregunta recurrente para los estudiantes de la clase de cine en la escuela de secundaria Dora Maar, y para Eric Baudelaire (Salt Lake City, EEUU, 1973), que trabajó con ellos durante cuatro años. Responder a esta pregunta política —que conlleva representaciones de poder, violencia social e identidad— los llevó a buscar una forma cinematográfica que hiciera justicia a la singularidad de cada estudiante, pero también a la esencia de su grupo.

Éric Baudelaire (1973) es un artista y cineasta afincado en París. Tras cursar estudios de ciencias políticas, Baudelaire se forjó un nombre como artista visual gracias a una práctica basada en la investigación que incorpora fotografía, imágenes impresas y vídeo. El cine ha ocupado un lugar fundamental en su obra desde 2010.

Sobre la exposición 

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El Museo Artium, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Mariana Castillo Deball. Amarantus, (Sala A2, hasta el 13 de marzo de 2022). La exposición reúne una amplia selección de obras producidas en su mayoría en la última década, en las que se puede rastrear el interés de Castillo Deball por la forma en que el conocimiento y la cultura se producen, representan y difunden y en concreto por los procesos de apropiación y recodificación de la historia precolonial mexicana. Con motivo de la exposición, el Museo Artium ha editado una publicación con texto de la comisaria de la misma, Catalina Lozano. Amarantus está organizada en colaboración con Museum für Gegenwartskunst Siegen (Alemania) y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México).

Amarantus presenta una selección de trabajos de Mariana Castillo Deball (Ciudad de México, 1975) quien, desde sus obras tempranas, se ha interesado por la forma en que el conocimiento y la cultura se producen, representan y difunden. Trabajando diagonalmente entre artes visuales, ciencia y ficción, la artista ha indagado acerca de cómo se ha investigado, apropiado y recodificado la historia precolonial mexicana en diferentes momentos.

La artista ha explorado cómo el azar —producto del tiempo transcurrido, la erosión, la fragmentación y las intervenciones humanas, entre otros factores— determina en gran medida la forma en que aprendemos a describir el mundo y los relatos que elaboramos. Este interés la ha impulsado a investigar la historia de determinados artefactos —que ella llama «objetos incómodos»—, sus devenires, reproducciones, apropiaciones y desapariciones. Estos objetos interpelan a los relatos hegemónicos desde sus condiciones inestables y, para abordarlos, Castillo Deball pone en marcha un ejercicio de imaginación que busca problematizar la relación entre sujetos y objetos establecida por la modernidad, y convierte a estos últimos en narradores de lo que ocurre a su alrededor.

Sus estrategias formales a menudo se aproximan a las metodologías empleadas por los arqueólogos para «atrapar» sus hallazgos. Estos objetos, o imágenes sucedáneas, se acercan conceptualmente a la antigua noción nahua de ixiptla, que puede interpretarse como ‘representación, imagen, sustituto’, pero también ‘piel’. Este concepto resulta indispensable para abordar muchos de los proyectos de Castillo Deball en la última década.

La palabra «amarantus», que da nombre a la exposición, proviene del griego Αμάρανθος y designa a una flor que nunca muere —como la del amaranto, planta indispensable en la alimentación tradicional mexicana, que nunca se marchita—. La flor de amaranto evoca la persistencia de esos «objetos incómodos», restos materiales de devenires históricos azarosos que fascinan a Castillo Deball.

Amarantus integra una veintena de obras fechadas en su mayoría en la última década. Situada a la entrada se encuentra Para qué me diste las manos llenas de color / todo lo que toque se llenará de sol (2018), pintura mural realizada con pigmentos naturales sobre una pared cilíndrica. La instalación Nuremberg Map of Tenochtitlan (2013) es una amplia zona cubierta con tableros de madera en los que la artista reproduce a gran escala el primer mapa de la capital azteca realizado hace 500 años por los colonizadores españoles. Otra obra de grandes dimensiones es Pleasures of Association, and Poissons, such as Love (2017), una instalación en forma de espiral construida en bambú que ilustra la evolución de los vertebrados durante 200 millones de años.

Mariana Castillo Deball
La trayectoria de Mariana Castillo Deball ha sido reconocida con premios internacionales como el de la Galería Nacional de Berlín en 2013; el Zurich Art Prize en 2012; o el Ars Viva Award, en 2009. Ha participado en la Bienal de Sharjah de 2017, la Bienal de Berlín en 2014, la dOCUMENTA (13) de Kassel en 2014 y la Bienal de Venecia en 2011. Recientemente ha presentado exposiciones individuales en Modern Art Oxford (2020), en el Monash University Museum of Art de Melbourne (2019), y en el New Museum de New York City (también en 2019). Desde 2015 es profesora de escultura en la Kunstakademie de Münster (Alemania).

Exposición  Lista de obras  Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes 

Mariana Castillo Deball. Amarantus

Sala A2, desde el 5 de noviembre de 2021 hasta el 13 de marzo de 2022
Comisariado: Catalina Lozano
Publicación, con texto de Catalina Lozano
Conversación entre Mariana Castillo Deball y Catalina Lozano: viernes 5 de noviembre, 18:00 horas
Visitas guiadas en noviembre: domingo 7, 12:30; miércoles 10, 18:00; sábado 13, 17:30; sábado 20, 12:30; miércoles 24, 18:00
En colaboración con Museum für Gegenwartskunst Siegen (Alemania) y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México)

Publicado en Prensa
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