Esta publicación se realiza con motivo de la exposición San Simón 62, producida en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, dentro del programa Sala Z, y que tuvo lugar en Vitoria-Gasteiz del 24 de marzo al 18 de junio de 2023.

Texto: Sara Torres

 

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Everything Near Me [Todo lo cercano a mí] presenta una instalación de dos películas: 025 Sunset Red de Laida Lertxundi y In a Nearby Field de Laida Lertxundi y Ren Ebel. En la primera se exploran paisajes afectivos diferentes que atañen también a contextos sociopolíticos específicos, los del País Vasco y California. La segunda, filmada a lo largo de dos años en el País Vasco, combina escenas cotidianas con paisajes exuberantes, momentos pasajeros que forman y sostienen la vida. 

Laida Lertxundi realiza su trabajo a partir de una metodología que denomina landscape plus (‘paisaje y algo más’), una manera de combinar ejercicios grupales y la fotografía de observación con música, acciones y eventos al azar; estableciendo paralelismos entre la tierra y el cuerpo como centros de placer y experiencia. Su obra se ha expuesto en High Line Art, New York (2023), Whitney Biennial, New York, (2012), Hammer Museum (2016), LIAF Biennial (2013), Biennale de Lyon (2013), Frieze Projects New York (2014), MoMA, New York (2022, 2017), y Tate Modern, London (2016) entre otros. La pedagogía es fundamental en su práctica y actualmente es profesora en la École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Lyon.

Ren Ebel (Los Ángeles, 1992) trabaja en una variedad de medios que incluyen vídeo, sonido, escritura y dibujo. Recibió su BFA de la Universidad de San Diego, California, y su MFA en práctica de estudio de Art-center College of Design en Pasadena, California.

REN EBEL es un artista de California, EEUU. Trabaja en una variedad de medios que incluyen video, sonido, escritura y dibujo. Recibió su BFA de la Universidad de California, San Diego, y su MFA en práctica de estudio de ArtCenter College of Design en Pasadena, California. Sus obras se han exhibido en Gattopardo Gallery, Los Angeles, Now Instant Image Hall, Los Angeles, Spectacle Theatre, Nueva York y Azkuna Zentroa, Bilbao. Sus textos han sido publicados en Artforum, Mousse, X-TRA y Frieze.

Esta exposición se realiza con la colaboración de MONDRAGON.

 

La Sala Z (zinema) es un espacio que investiga nuevas formas de relacionar el cine y el arte. No es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición al uso. Es un proyecto que construye un tercer espacio en el museo desde el que visibilizar y analizar obras de artistas que se acercan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace para pensar la imagen en movimiento en el museo, y que da a conocer a autores y autoras que buscan nuevas formas narrativas cuestionando las convenciones, los géneros y las categorizaciones que históricamente han definido el lenguaje cinematográfico.

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Durante los años 80 un convento en Lizaso (Navarra) albergó a la excéntrica comunidad del Arco Iris. Las paredes anodinas del edificio fueron adornadas con enormes motivos florales y sus salas acogieron encuentros multitudinarios donde se experimentaba con prácticas catárticas de tinte new age. En la actualidad, el edificio está habitado por monjes de clausura y los rastros de aquel episodio son casi imperceptibles.

Las autoras de San Simón 62 se acercan al lugar atraídas por los testimonios de sus madres que, intentando desprenderse de las secuelas del franquismo y hacer frente a los desafíos personales y políticos de esta nueva etapa, pasaron por la comunidad del Arco Iris.

Irati Gorostidi y Mirari Echávarri vivieron en el mismo bloque de pisos durante los primeros años de su vida. Una mudanza a otra ciudad las separó hasta que, tiempo después, se reencontraron estudiando Bellas Artes en Bilbao. Desde entonces han colaborado en proyectos musicales y fílmicos.

Recientemente, algunos de los proyectos de Mirari Echávarri han sido expuestos en Tabakalera, Artium Museoa, Museo de Navarra y Okela Sormen Lantegia y su primera pieza audiovisual, Cuerpos #1 Santa Águeda, ha sido proyectada en los festivales de cine feminista de Londres y Dublin, en el festival de cine internacional Porto/Post/Doc, en Cinespaña en Toulouse, y en el Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen, entre otros.

Irati Gorostidi está desarrollando actualmente su primer largometraje, Anekumen, que ha sido seleccionado en Ikusmira Berriak 2022 y ha participado en diversos programas de mentoring y mercados. Su cortometraje Contadores, en fase de producción, ha recibido el apoyo del Gobierno Vasco, el ICAA y el Gobierno de Navarra. Sus anteriores películas se han proyectado internacionalmente en festivales de cine y museos.

Esta exposición se realiza con la colaboración de MONDRAGON.

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La Sala Z (zinema) es un espacio que investiga nuevas formas de relacionar el cine y el arte. No es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición al uso. Es un proyecto que construye un tercer espacio en el museo desde el que visibilizar y analizar obras de artistas que se acercan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace para pensar la imagen en movimiento en el museo, y que da a conocer a autores y autoras que buscan nuevas formas narrativas cuestionando las convenciones, los géneros y las categorizaciones que históricamente han definido el lenguaje cinematográfico.

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Esta publicación se realiza con motivo de la exposición Clamor producida en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, dentro del prigrama Sala Z, y que tuvo lugar en Vitoria-Gasteiz del 22 de julio al 18 de septiembre de 2022.

Texto: Andrea Cinel.

 

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Viernes, 22 de julio, a las 12:00 horas
Entrada libre

 

Con motivo de la inauguración de la exposición Clamor de Edurne Rubio, enmarcada en el programa Sala Z, la autora presentará la película que da nombre a la muestra.

Sobre la exposición

Publicado en Actividades

En Clamor, última película de Edurne Rubio Barredo, la artista retrata lugares que han servido como sitios de enterramiento para aquellos que eran relegados por la iglesia católica: los suicidas, los bebés fallecidos antes de recibir el bautismo, los fusilados, ateos, transeúntes, protestantes. Enfocándose en la historia particular de la provincia de Burgos, Rubio recoge historias personales atravesadas por los acontecimientos y procesos históricos que han marcado la región. El estado actual de estos lugares refleja la coexistencia de la vida y la muerte y la convivencia de diferentes especies dentro del territorio, cuestionando el monopolio de ciertas instituciones sobre lo sagrado.

Edurne Rubio (1974) es una artista visual radicada en Bruselas que trabaja en los campos de las exposiciones, la performance, el cine y la arquitectura. Su trabajo de investigación ha estado asociado a la percepción individual o colectiva del tiempo y el espacio. Su obra se relaciona con lo documental y la antropología, utilizando entrevistas, imágenes de archivo y la investigación sobre la comunicación oral.

Proyecto producido en colaboración con MONDRAGON

Actividad vinculada

Proyección de Clamor y conversación con Edurne Rubio
Viernes 22 de julio, 12:00 horas
Entrada libre 

 

 

Publicación

 

La Sala Z (zinema) es un espacio que investiga nuevas formas de relacionar el cine y el arte. No es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición al uso. Es un proyecto que construye un tercer espacio en el museo desde el que visibilizar y analizar obras de artistas que se acercan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace para pensar la imagen en movimiento en el museo, y que da a conocer a autores y autoras que buscan nuevas formas narrativas cuestionando las convenciones, los géneros y las categorizaciones que históricamente han definido el lenguaje cinematográfico.  
Comisariado: Garbiñe Ortega

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Editado con motivo de la exposición Fluid Frontiers, producida en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, donde pudo verse del 4 de junio al 17 de julio de 2022. Esta exposición pertenece al programa Sala Z

Texto: Greg de Cuir Jr.

 

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Editado con motivo de la exposición Gold 20. Fundir y parar, producida en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, donde pudo verse del 8 de abril al 29 de mayo de 2022. Esta exposición forma parte del programa Sala Z.

Textos: David Bestué, Ainara Elgoibar.

 

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Actos de empoderamiento: breve reflexión sobre Fluid Frontiers

La liberación no es fácil de definir. Se trata de un concepto esquivo. A menudo opera resguardada por la oscuridad, y a veces no deja más que una leve huella de su existencia, desplazándose de un lugar a otro con movimientos clandestinos y en voz baja, sorteando la vigilancia a cada paso y esperando el momento exacto en que los susurros de cada individuo estén lo bastante maduros para transformarse en un grito colectivo.

Fluid Frontiers es la quinta y última película de la serie The Diaspora Suite, un proyecto en el que Ephraim Asili viajó a Etiopía, Brasil, Ghana, Jamaica y Estados Unidos en busca de conexiones unificadoras entre personas descendientes de pueblos africanos. En ella, los poemas ceden el protagonismo a aquellos que los activan, procesan y reimaginan.

Asili documenta a personas nativas de Detroit/Windsor leyendo en voz alta pasajes de libros publicados por Broadside Press, una editorial independiente de Detroit fundada en 1965 por Dudley Randall. Entre los textos leídos figuran obras de autores como Audre Lorde, Sonia Sanchez, Nikki Giovanni, Margaret Walker, Don L. Lee, Etheridge Knight y el propio Randall. Lo más llamativo de este encuentro es el tono reflexivo de los lectores, que a menudo hacen pausas en momentos imprevistos del poema para recapacitar sobre lo que están leyendo. Y si nos fijamos bien, podemos ver sus ojos procesando la información recibida.

En varios momentos de Fluid Frontiers, Asili se aleja de este encuentro para lanzar una mirada al entorno local. Así, sobre un fondo de imágenes en calma, oímos la voz de la poeta Margaret Walker recitando «Harriet Tubman»: el Black Arts Movement entra en contacto directo con la red de trenes subterráneos. A continuación Asili nos muestra a habitantes de las zonas negras de Detroit/Windsor leyendo poemas en la calle, cuya presencia activa dota a las palabras de los actos de empoderamiento que necesitan para cobrar vida. Es entonces cuando el pasado se vuelve innegablemente presente, y la liberación, al igual que los poemas sin lectores, se nos presenta como algo inacabado. Tal vez esa sea la cuestión.

Darol Olu Kae

Publicación Nota de prensa

 

La Sala Z (zinema) es un espacio que investiga nuevas formas de relacionar el cine y el arte. No es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición al uso. Es un proyecto que construye un tercer espacio en el museo desde el que visibilizar y analizar obras de artistas que se acercan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace para pensar la imagen en movimiento en el museo, y que da a conocer a autores y autoras que buscan nuevas formas narrativas cuestionando las convenciones, los géneros y las categorizaciones que históricamente han definido el lenguaje cinematográfico.  
Comisariado: Garbiñe Ortega

 

 

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En sus instalaciones, textos y películas, Ainara Elgoibar explora su interés por la actividad industrial, tanto en entornos productivos como de ocio. La fábrica, el motor, el vidrio, la música y el entretenimiento son temas recurrentes en sus trabajos. Las dos piezas audiovisuales que se muestran en la sala forman parte de una misma investigación relacionada con la producción del Gold 20, un vidrio de arquitectura de color dorado, que se produce depositando una fina composición de capas metálicas sobre láminas de vidrio transparente por una de sus caras.

Además de las películas, la exposición incluye una última maqueta —después de otras realizadas por la artista previamente de edificios que utilizaron, o contemplaron utilizar, Gold 20 en su construcción—; se trata del cono superior de la torre Intempo de Benidorm. Para la producción de esta pequeña maqueta se ha fundido la pieza de Gold 20 que protagoniza Glas Marte Cut.

Gold 20. 2014. Vídeo HD. 16 min 49 s
Gold 20 recoge el proceso de producción de este vidrio. El objetivo es doble: por una parte, calibrar la peligrosidad con que se percibe el registro videográfico en planta y, por otra, explorar los límites del vídeo para representar este proceso industrial.

Glas Marte Cut. 2016. Vídeo HD. 18 min 5 s
Glas Marte Cut sigue el proceso de reproducción de una pequeña pieza de vidrio Gold 20 en la empresa Glas Marte Gmbh (Austria) dedicada a la producción de grandes elementos de arquitectura. El encargo fue una excusa para rodar la actividad productiva de la empresa, un ejercicio excepcional en sí mismo, pero también por la diminuta escala de la pieza.

Ainara Elgoibar trabajó como analista de procesos contables antes de dedicarse al arte. Sus instalaciones, textos y películas se interesan por la actividad industrial tanto en entornos industriales como de ocio. El motor, el vidrio, la música y el entretenimiento son temas recurrentes en sus trabajos, que se han mostrado en contextos como el Festival Punto de Vista (2022), Zinebi (2021), Museo de Bellas Artes de Bilbao (2018), Carreras Múgica (2016) La Capella en Barcelona (2012), MACBA (2014) o Fundació Tàpies (2012). Es cofundadora de Tractora Koop E, cooperativa de artistas dedicada a la producción de proyectos de arte. Dirige, junto con Usue Arrieta, el proyecto KINU, un grupo de programación y autoformación en arte del tiempo traccionado por Tractora en Bilbao, donde también gestionan y dirigen el espacio Atoi.

Imagen: fotograma de Gold 20. Ainara Elgoibar, 2014

 

Publicación

 

El programa Sala Z (de zinema, cine en euskera) no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo. Un programa que quiere acercar a los públicos autores/as interesados en la búsqueda de nuevas formas narrativas desde el cuestionamiento de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico.

Comisariado: Garbiñe Ortega

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