Con motivo de la apertura de la exposición Un film dramatique, de Éric Baudelaire, dentro del programa Sala Z (apertura: jueves 25 de noviembre, desde las 11:00 horas).
Proyección de la película en el Auditorio del museo, con presentación a cargo de la comisaria Garbiñe Ortega.

Miércoles 24 de noviembre, 18:00 horas
Entrada gratuita. Aforo limitado. Inscripciones: 945 20 90 20

¿Qué estamos haciendo juntos? Es una pregunta recurrente para los estudiantes de la clase de cine en la escuela de secundaria Dora Maar, y para Eric Baudelaire (Salt Lake City, EEUU, 1973), que trabajó con ellos durante cuatro años. Responder a esta pregunta política —que conlleva representaciones de poder, violencia social e identidad— los llevó a buscar una forma cinematográfica que hiciera justicia a la singularidad de cada estudiante, pero también a la esencia de su grupo.

Éric Baudelaire (1973) es un artista y cineasta afincado en París. Tras cursar estudios de ciencias políticas, Baudelaire se forjó un nombre como artista visual gracias a una práctica basada en la investigación que incorpora fotografía, imágenes impresas y vídeo. El cine ha ocupado un lugar fundamental en su obra desde 2010.

Sobre la exposición 

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Mariana Castillo Deball. Amarantus, (Sala A2, hasta el 13 de marzo de 2022). La exposición reúne una amplia selección de obras producidas en su mayoría en la última década, en las que se puede rastrear el interés de Castillo Deball por la forma en que el conocimiento y la cultura se producen, representan y difunden y en concreto por los procesos de apropiación y recodificación de la historia precolonial mexicana. Con motivo de la exposición, Artium Museoa ha editado una publicación con texto de la comisaria de la misma, Catalina Lozano. Amarantus está organizada en colaboración con Museum für Gegenwartskunst Siegen (Alemania) y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México).

Amarantus presenta una selección de trabajos de Mariana Castillo Deball (Ciudad de México, 1975) quien, desde sus obras tempranas, se ha interesado por la forma en que el conocimiento y la cultura se producen, representan y difunden. Trabajando diagonalmente entre artes visuales, ciencia y ficción, la artista ha indagado acerca de cómo se ha investigado, apropiado y recodificado la historia precolonial mexicana en diferentes momentos.

La artista ha explorado cómo el azar —producto del tiempo transcurrido, la erosión, la fragmentación y las intervenciones humanas, entre otros factores— determina en gran medida la forma en que aprendemos a describir el mundo y los relatos que elaboramos. Este interés la ha impulsado a investigar la historia de determinados artefactos —que ella llama «objetos incómodos»—, sus devenires, reproducciones, apropiaciones y desapariciones. Estos objetos interpelan a los relatos hegemónicos desde sus condiciones inestables y, para abordarlos, Castillo Deball pone en marcha un ejercicio de imaginación que busca problematizar la relación entre sujetos y objetos establecida por la modernidad, y convierte a estos últimos en narradores de lo que ocurre a su alrededor.

Sus estrategias formales a menudo se aproximan a las metodologías empleadas por los arqueólogos para «atrapar» sus hallazgos. Estos objetos, o imágenes sucedáneas, se acercan conceptualmente a la antigua noción nahua de ixiptla, que puede interpretarse como ‘representación, imagen, sustituto’, pero también ‘piel’. Este concepto resulta indispensable para abordar muchos de los proyectos de Castillo Deball en la última década.

La palabra «amarantus», que da nombre a la exposición, proviene del griego Αμάρανθος y designa a una flor que nunca muere —como la del amaranto, planta indispensable en la alimentación tradicional mexicana, que nunca se marchita—. La flor de amaranto evoca la persistencia de esos «objetos incómodos», restos materiales de devenires históricos azarosos que fascinan a Castillo Deball.

Amarantus integra una veintena de obras fechadas en su mayoría en la última década. Situada a la entrada se encuentra Para qué me diste las manos llenas de color / todo lo que toque se llenará de sol (2018), pintura mural realizada con pigmentos naturales sobre una pared cilíndrica. La instalación Nuremberg Map of Tenochtitlan (2013) es una amplia zona cubierta con tableros de madera en los que la artista reproduce a gran escala el primer mapa de la capital azteca realizado hace 500 años por los colonizadores españoles. Otra obra de grandes dimensiones es Pleasures of Association, and Poissons, such as Love (2017), una instalación en forma de espiral construida en bambú que ilustra la evolución de los vertebrados durante 200 millones de años.

Mariana Castillo Deball
La trayectoria de Mariana Castillo Deball ha sido reconocida con premios internacionales como el de la Galería Nacional de Berlín en 2013; el Zurich Art Prize en 2012; o el Ars Viva Award, en 2009. Ha participado en la Bienal de Sharjah de 2017, la Bienal de Berlín en 2014, la dOCUMENTA (13) de Kassel en 2014 y la Bienal de Venecia en 2011. Recientemente ha presentado exposiciones individuales en Modern Art Oxford (2020), en el Monash University Museum of Art de Melbourne (2019), y en el New Museum de New York City (también en 2019). Desde 2015 es profesora de escultura en la Kunstakademie de Münster (Alemania).

Exposición  Lista de obras  Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes 

Mariana Castillo Deball. Amarantus

Sala A2, desde el 5 de noviembre de 2021 hasta el 13 de marzo de 2022
Comisariado: Catalina Lozano
Publicación, con texto de Catalina Lozano
Conversación entre Mariana Castillo Deball y Catalina Lozano: viernes 5 de noviembre, 18:00 horas
Visitas guiadas en noviembre: domingo 7, 12:30; miércoles 10, 18:00; sábado 13, 17:30; sábado 20, 12:30; miércoles 24, 18:00
En colaboración con Museum für Gegenwartskunst Siegen (Alemania) y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México)

La exposición reúne una amplia selección de pinturas de la serie Paisajes sociales, que la artista inició en la década de los 90. Txaro Arrazola produce inquietantes paisajes contemporáneos que muestran los efectos devastadores de la acción humana sobre el planeta y las personas

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Txaro Arrazola. Una magnífica explotación (Sala A1, hasta el 13 de marzo de 2022). La muestra reúne una amplia selección de pinturas de la serie Paisajes sociales que la artista desarrolla desde la década de los 90, en las que pinta escenarios que representan los efectos devastadores de la acción humana directa o indirecta sobre el planeta y las personas. Una magnífica explotación, que está comisariada por Xabier Arakistain, presenta además otras piezas de aquel período inicial, dibujos, fotografías y patchworks elaborados con ropa adquirida en tiendas del Ejército de Salvación. Con motivo de la exposición, el Museo Artium ha editado una publicación con textos de Arakistain y Rocío de la Villa.

No deja de ser paradójico que “explotar” tenga tres acepciones en español: “extraer de la tierra su riqueza”, “utilizar abusivamente en provecho propio el trabajo o las cualidades de otra persona” y “explosionar, hacer explosión”. El título de esta exposición juega con esas tres acepciones del verbo para proponer conexiones entre ellas desde las que acercarnos a la idea de paisaje contemporáneo en la obra de Txaro Arrazola (Vitoria-Gasteiz 1963).

Una magnífica explotación reúne una amplia selección de pinturas de la serie Paisajes sociales que Txaro Arrazola viene produciendo desde que, en 1993, hizo unos primeros dibujos del paisaje que ofrecía la vista desde la gran ventana de su estudio en una antigua fábrica del entonces ruinoso barrio de Bushwick, en Nueva York. Posteriormente, sus dibujos del natural son sustituidos como referente de sus pinturas por imágenes que toma de periódicos y revistas. Extraer imágenes, fotografías periodísticas, de la breve actualidad que les confieren su soporte, trascender la naturaleza cotidiana de la prensa diaria para convertirlas en un artefacto artístico, extiende su temporalidad pero, sobre todo, expande exponencialmente su funcionalidad.

Mediante ese desplazamiento, Arrazola irá produciendo inquietantes paisajes contemporáneos de diversos puntos del globo que muestran todo tipo de destrozos provocados por la acción humana directa o indirecta. Paisajes que muestran situaciones de pobreza extrema, favelas, campamentos de refugiados de guerra o de migrantes por razones climáticas o económicas. Son pinturas con muy poco color, sombrías o directamente negras, que describen un mundo infeliz, en las que nunca aparecen personas.

Incidiendo en la idea de proximidad y para no interrumpir la impresión de que las obras se expanden más allá de los límites del lienzo, las pinturas no se enmarcan. Como tampoco se enmarcan en el pasado. Lamentablemente, hoy igual que hace 30 años, las obras mantienen una rigurosa actualidad. Los «paisajes sociales» de Txaro Arrazola siguen siendo un paisaje cotidiano demasiado familiar.

Txaro Arrazola
Txaro Arrazola se licenció en Bellas Artes por la UPV/EHU en 1988. Beca Fulbright (1996-1997) y MFA por la Universidad del Estado de Nueva York, Purchase College (1996-1998). Doctora en Bellas Artes (2012). Su trabajo se caracteriza por el compromiso social, la crítica feminista de la representación y la investigación de metodologías colaborativas.

Compagina su práctica artística individual desde la pintura con proyectos transdisciplinares y proyectos colectivos, entre los que destacan los realizados con el colectivo Plataforma A en acciones en el espacio público. Su obra ha sido expuesta, entre otros espacios e instituciones, en la galería Vanguardia (Bilbao, 2019, 2014, 2011, 2007), Fundación Pedro Modesto Campos (Tenerife 2007), Centro Cultural Montehermoso (Vitoria-Gasteiz, 2008, 2005), y Kunstarkaden Der Stadt (Munich 2008).

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Txaro Arrazola. Una magnífica explotación

Sala A1, desde el 29 de octubre de 2021 hasta el 13 de marzo de 2022
Comisariado: Xabier Arakistain
Publicación, con texto de Xabier Arakistain y Rocío de la Villa

La exposición do mess with me contiene los vídeos <3 S P S <3 BLOOD y <3 S P S <3 INK adquiridos en 2020 dentro del plan de apoyo al sector artístico del Gobierno Vasco. Contextos desde una colección, al igual que a los casos de estudio y las rotaciones dentro de la exposición Zeru bat, hamaika bide, pretende incrementar la visibilidad del excepcional fondo contemporáneo del museo

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta dentro del programa expositivo Contextos desde una colección, dos vídeos de la artista Lorea Alfaro, <3 S P S <3 BLOOD y <3 S P S <3 INK, recientemente adquiridos para la Colección del museo (Sala A02, hasta el 16 de enero de 2022). La exposición do mess with me incluye además de estas dos piezas una selección de obras de Alfaro, entre ellas las piezas realizadas con papel pintado Paski y Paretara, y el vídeo Tú re-post. La muestra incluye también la edición de la publicación do mess with me, que contiene una conversación entre Lorea Alfaro y el fotógrafo Rafa Castells. Contextos desde una colección conforma una serie de exposiciones dedicada a dar a conocer la producción de artistas que recientemente han pasado a formar parte de los fondos del museo.

La serie <3 S P S <3 (2016-2017), de la que forman los dos vídeos, representa una forma contemporánea de retrato. Parte del diseño de una camisa de seda hecha a medida para el retratado, un conocido cantante de la escena del trap español. Lorea Alfaro concibe el diseño de la camisa como la realización de un molde: «Un molde es una pieza [CAMISA], o conjunto de piezas acopladas [PATRÓN], interiormente huecas pero con los detalles e improntas exteriores del futuro sólido que se desea obtener [ÉL]. Generalmente, un molde flexible [SEDA] se monta con un contra-molde rígido [VÍDEO] o “madre” [MADRE] que sujete la forma evitando su deformación [VÍDEO]. La ventaja de los moldes flexibles es permitir su desmolde con más delicadeza [SILK], procurando un mejor resultado de la pieza; además, es más liviano [SILK] y duradero [ARTE]».

El estampado de la camisa tiene como motivo repetido el tatuaje que tenía en el antebrazo un familiar de la autora. La exposición muestra la relación que hay entre estos dos vídeos y dos trabajos previos, Paretara y Paski (vinilo sobre pared, 2014-2021), y uno posterior, el vídeo Tú, re-post (2017). Estas relaciones, presentes en todo su trabajo, señalan el interés de esta artista por buscar la manera de insertar en la vida elementos que provengan de un tipo de atención, de cuidado, de tiempo, distintos a los que se dan en los objetos cotidianos.

Lorea Alfaro (Estella-Lizarra, 1982) es artista. Sus trabajos más recientes se han podido ver en las exposiciones 2020, junto con Jon Otamendi (Fundación Joan Miró, 2021), Un mundo sin cualidades (Galería CarrerasMugica, 2020) o No lo banalices (Galería CarerrasMugica, 2018, 948Merkatua, 2019). Desde 2014 trabaja a través de la marca hueca LA. Por otra parte, con motivo de esta exposición, el Museo ha editado un nuevo ejemplar de la serie #Bilduma, en la que se publican textos de escritores, comisarios e historiadores sobre obras y artistas que forman parte de su fondo patrimonial de carácter público. En esta ocasión, la publicación recoge una conversación entre Lorea Alfaro y el también artista Rafa Castells.

Contextos desde una colección
Contextos desde una colección, el programa al que pertenece esta exposición de Lorea Alfaro, se suma a partir de 2021 a otras iniciativas que tienen como finalidad promover el conocimiento de la Colección de Artium Museoa, un excepcional fondo contemporáneo de carácter público integrado por casi 2.400 obras de arte. Así, además de la exposición permanente de la Colección, Zeru bat, hamaika bide, la Sala A01 acoge casos de estudio y exposiciones vinculadas al trabajo de investigación y la cronología 1977-2002 desplegada en esta muestra. La propia exposición Zeru bat, hamaika bide conoce periódicamente modificaciones que incorporan nuevos recorridos internos. La creación de la serie #Bilduma dentro del programa de publicaciones del Museo se enmarca en este mismo objetivo.

El programa de adquisiciones del museo contribuye a explorar y a dar cuenta de los debates y las prácticas que se están desarrollando en el campo del arte en el momento presente, y es además una herramienta indispensable para tomar el pulso a un momento caracterizado por su dinamismo y su complejidad. Esta es una de las funciones fundamentales del Museo: fomentar la producción de patrimonio contemporáneo e impulsar a los y las artistas y sus producciones.

Daniel Llaría, Nadia Barkate y Lorea Alfaro son las y los artistas que han participado en este programa en 2021.

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Lorea Alfaro. do mess with me. Contextos desde una colección

Sala A02, desde el 17 de septiembre de 2021 hasta el 16 de enero de 2022
Publicación: do mess with me. Lorea Alfaro/Rafa Castells.    

La artista británica es conocida por su trabajo cinematográfico, que compagina con su interés por la pintura y el grabado. La obra de Nashashibi muestra «la importancia de tejer lazos que puedan (…) hacer posible una existencia más agradable y amable». La muestra incluye varias pinturas realizadas durante la estancia de la artista en Artium Museoa para el montaje del proyecto

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta a la artista Rosalind Nashashibi en un nuevo proyecto expositivo para su programa Sala Z (hasta el 14 de noviembre de 2021). La propuesta incluye la proyección de dos películas de la artista británica, Vivian’s Garden y Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, junto con diversas pinturas realizadas por Nashashibi durante su estancia en el museo con motivo de la preparación de la exposición. Con este motivo, el museo ha editado una publicación con texto de Francisco Salas. El programa Sala Z integra un espacio para visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo, y está comisariado por Garbiñe Ortega.

Rosalind Nashashibi (Croydon, Londres, 1973) es conocida fundamentalmente por sus trabajos cinematográficos en formato de 16mm; realiza películas que parten de experiencias personales y de la observación del comportamiento humano y las relaciones sociales en determinadas comunidades. La artista compagina el cine con su interés por la pintura y el grabado como formas de expresión. Junto a las dos películas que se proyectarán en la Sala Z, la artista ha realizado diversas pinturas para este proyecto en el Museo Artium. En sus obras tienen cabida cuestiones como el compromiso político y social, el género, la familia o el sentido de comunidad.

Tal y como indica Francisco Salas en su texto para la publicación, «la capacidad de Rosalind Nashashibi de aportar una perspectiva humanista a la temática de sus películas hace de ella una artista esencial en el contexto de un mundo necesitado de una belleza más sensible y significativa». Salas destaca también en Nashashibi «la importancia de tejer lazos que puedan sostener y hacer posible una existencia más agradable y amable».

Las películas
Vivian’s Garden (El jardín de Vivian) (2017) muestra la relación entre Vivian Suter y su madre, Elisabeth Wild, dos artistas emigradas suizo/austríacas que viven en la selva de Panajachel, Guatemala, donde han desarrollado una composición matriarcal en un entorno que ofrece tanto refugio como terror. La película recoge la mirada cercana y soñadora de sus vidas artísticas, emocionales y económicas, además de las ampliaciones de sus familias: los mayas como ayudantes y guardianes de la casa y unos cuantos perros, lo que nos muestra un reflejo tierno en un momento de complejidad poscolonial.

Por su parte, la película Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, (Primera parte:Donde hay un ambiente festivo, aparecerá un camarada para compartir un vaso de vino) (2018), se aproxima a las relaciones afectivas y a la construcción de comunidad. Toma forma de conjuro o promesa acerca de un tipo de estructura familiar liberador. Su narrativa, no lineal, entrelaza varios escenarios de la intimidad, algunos situados en espacios domésticos compartidos, otros en ambientes exteriores. Rodada en Lituania, Londres y Edimburgo, la película presenta a la artista y a sus hijos, así como a sus amigos íntimos, a los que considera familia extensa, y con los que explora nuevos modos de convivencia.

Las pinturas
Nashashibi ha realizado in situ para este proyecto tres pinturas dobles, que la conectan con el entorno. En una de ellas aparece una sandía, imagen utilizada como sustituta de la bandera palestina, ya que la combinación de sus colores —negro, blanco, verde y rojo— fue ilegalizada por las fuerzas de ocupación israelíes desde 1967 hasta después de la formación de la entidad palestina. Nashashibi señala la similitud con los colores de la bandera vasca.

La artista cita asimismo el conjuro de la cultura tradicional vasca «laino guztien azpitik eta sasi guztien azpitik» (por debajo de todas las nubes… y por encima de todas las zarzas) al que se hace referencia en al exposición Zeru bat, hamaika bide, de la Colección del museo. Adoptado por el poeta Joxean Artze en 1973, definió, como la sandía en la Palestina ocupada, un campo de acción social y político, poniendo la tierra en el centro de la lucha.

Experimentar el momento en múltiples capas ha sido un tema recurrente en las pinturas y películas de Nashashibi. Por debajo las nubes y por encima de las zarzas; del mismo modo, las formas de estas pinturas habitan distintos estados: partidas por la mitad, están tanto en el suelo como por encima de él.

Rosalind Nashashibi
Nashashibi es una cineasta y pintora afincada en Londres. Sus películas describen las cualidades de la experiencia, las cosas y los lugares. Se plantea algunas preguntas: ¿cómo trabajamos?; ¿cómo nos cuidamos unos a otros?; ¿cómo podemos navegar por nuestras propias instituciones?

Entre sus exposiciones individuales se incluyen las organizadas en el Museo Imperial de la Guerra, Londres; UCI de California; Objectif, Amberes; Institute of Contemporary Arts, Londres; y Chisenhale Gallery, también en la capital del Reino Unido. Ha expuesto en Manifesta 7, la Trienal Nórdica y Sharjah 10. Representó a Escocia en la 52ª edición de la Bienal de Venecia. Ha recibido el premio Paul Hamlyn para artistas y en 2003 fue la primera mujer en ganar el Becks Futures. En 2017 participó en la documenta14 de Atenas y Kassel, y ha sido nominada para el Premio Turner.

Sala Z
El programa Sala Z (zinema) no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo desde la reflexión acerca de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico. Entre las cuestiones que atraviesan las obras del programa destaca el interés y la investigación que despliegan sus autores y autoras sobre la idea de lo colectivo, los modos en los que seguir pensando y trabajando en común y proyectando un futuro compartido

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes. Rosalind Nashashibi  Exposición 

Rosalind Nashashibi. Vivian's Garden / Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine

Sala Z, desde el 17 de septiembre hasta el 14 de noviembre de 2021
Películas

• Vivian's Garden, 2017, 30 min. Transferencia digital de película de 16 mm.
• Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, 2018, 18 min. Transferencia digital de película de 16 mm.

Publicación, con texto de Francisco Salas
Sala Z es un programa de cine comisariado por Garbiñe Ortega

¿Qué estamos haciendo juntos? Es una pregunta recurrente para los estudiantes de la clase de cine en la escuela de secundaria Dora Maar, y para Eric Baudelaire (Salt Lake City, EEUU, 1973), que trabajó con ellos durante cuatro años. Responder a esta pregunta política —que conlleva representaciones de poder, violencia social e identidad— los llevó a buscar una forma cinematográfica que hiciera justicia a la singularidad de cada estudiante, pero también a la esencia de su grupo.

¿Qué estamos haciendo juntos, si no se trata de un documental ni de una ficción? Una película dramática, tal vez, donde el tiempo hace su trabajo en los cuerpos y en el discurso de los estudiantes, y donde descubrimos la posibilidad de que cada uno hable en su propio nombre al filmar para otros y de que se conviertan en coautores de la película y sujetos de sus propias vidas.

Éric Baudelaire (1973) es un artista y cineasta afincado en París. Tras cursar estudios de ciencias políticas, Baudelaire se forjó un nombre como artista visual gracias a una práctica basada en la investigación que incorpora fotografía, imágenes impresas y vídeo. El cine ha ocupado un lugar fundamental en su obra desde 2010. Películas como Un film dramatique (2019), Also Known as Jihadi (2017), Letters to Max (2014), The Ugly One (2013) o The Anabasis of May and Fusako Shigenobu, Masao Adachi and 27 Years Without Images (2011) se han proyectado en numerosos festivales de cine (entre ellos, Locarno, Toronto, Nueva York, FID Marseille y Rotterdam). Cuando forman parte de sus exposiciones, las películas de Baudelaire se integran en amplias instalaciones que combinan obra en papel, performances, publicaciones y programas públicos; ejemplos de ello son proyectos como APRÈS, exhibido en el Centre Pompidou de París, o The Secession Sessions, que se ha podido ver en la Berkeley Art Museum, el Bétonsalon de París, el Bergen Kunsthall y el Sharjah Biennial 12.

Baudelaire ha tenido exposiciones individuales en espacios como el Witte de With (Rotterdam), el Fridericianum (Kassel), el Beirut Art Center, Gasworks (Londres)o el Hammer Museum de Los Ángeles, y ha participado en la Bienal del Whitney de 2017, la Trienal de Yokohama de 2014, Mediacity Seoul 2014 y la Bienal de Taipei. Su obra figura en las colecciones del Museo Reina Sofía de Madrid, el MACBA de Barcelona, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centre Pompidou de París, el MMK de Fráncfort, el MUDAM de Luxemburgo, el MMCA de Seúl y el M+ de Hong Kong. En 2019 Baudelaire recibió una beca Fellowship de la Guggenheim Foundation y ganó el Prix Marcel Duchamp.

Comisariado: Garbiñe Ortega

Prensa  Publicación  

La Sala Z (de zinema, cine en euskera) quiere hacer descubrir a los públicos una comunidad de autores contemporáneos interesados en narrar desde diversos ángulos que les permitan explorar las posibilidades del lenguaje cinematográfico, cuestionándose los géneros que categorizan históricamente esta disciplina. La temporada 2021 se caracteriza por reunir piezas audiovisuales que investigan sobre la idea de lo colectivo, sobre cómo podemos seguir pensando, proyectando y trabajando juntos.

Rosalind Nashashibi (Croydon, Londres, 1973) presenta en la Sala Z del Museo Artium dos piezas de su filmografía (Vivian's Garden y Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine), junto con tres pinturas realizadas por Nashashibi durante su estancia en el museo con motivo de la preparación de la exposición.

Nashashibi es una cineasta y pintora afincada en Londres. Sus películas describen las cualidades de la experiencia, las cosas y los lugares. Se plantea algunas preguntas: ¿cómo trabajamos? ¿Cómo nos cuidamos unos a otros? ¿Cómo podemos navegar por nuestras propias instituciones?

Entre sus exposiciones individuales se incluyen las organizadas en el Museo Imperial de la Guerra, Londres; UCI de California; Objectif, Amberes; Institute of Contemporary Arts, Londres; y Chisenhale Gallery, también en la capital del Reino Unido. Ha expuesto en Manifesta 7, la Trienal Nórdica y Sharjah 10. Representó a Escocia en la 52ª edición de la Bienal de Venecia. Ha recibido el premio Paul Hamlyn para artistas y en 2003 fue la primera mujer en ganar el Becks Futures. En 2017 participó en la documenta14 de Atenas y Kassel, y ha sido nominada para el Premio Turner.

Vivian’s Garden, 2017.
Vivian Suter y su madre, Elisabeth Wild, son dos artistas emigradas suizo/austríacas que viven en Panajachel, Guatemala, donde han desarrollado una composición matriarcal en un entorno que ofrece tanto refugio como terror. La película recoge la mirada cercana y soñadora de sus vidas artísticas, emocionales y económicas, además de las ampliaciones de sus familias: los mayas como ayudantes y guardianes de la casa y unos cuantos perros, lo que nos muestra un reflejo tierno en un momento de complejidad poscolonial.

Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, 2018
Esta película se aproxima a las relaciones afectivas y a la construcción de comunidad. Toma forma de conjuro o promesa acerca de un tipo de estructura familiar liberador. Su narrativa, no lineal, entrelaza varios escenarios de la intimidad, algunos situados en espacios domésticos compartidos, otros en ambientes exteriores. Rodada en Lituania, Londres y Edimburgo, la película presenta a la artista y a sus hijos, así como a sus amigos íntimos, a los que considera familia extensa, y con los que explora nuevos modos de convivencia.

Publicación  Prensa 

Conversación entre Rosalind Nashashibi y Garbiñe Ortega: jueves 16 de septiembre, 18:00 horas.

Comisariado: Garbiñe Ortega

La Sala Z (de zinema, cine en euskera) quiere hacer descubrir a los públicos una comunidad de autores contemporáneos interesados en narrar desde diversos ángulos que les permitan explorar las posibilidades del lenguaje cinematográfico, cuestionándose los géneros que categorizan históricamente esta disciplina. La temporada 2021 se caracteriza por reunir piezas audiovisuales que investigan sobre la idea de lo colectivo, sobre cómo podemos seguir pensando, proyectando y trabajando juntos.

Incluida en el programa Sala Z, el film presenta un territorio en transformación tras años de abandono de la actividad agrícola. La película combina escenas rodadas en 16 mm e imágenes obtenidas mediante medios digitales.

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco presenta el estreno de Paraíso, la nueva película de las directoras Maddi Barber y Marina Lameiro, producida en el marco del programa Sala Z de Artium Museoa. El cortometraje, de 22 minutos de duración, recorre un territorio en transformación que sus vecinos quieren recuperar después de décadas de abandono de la actividad agrícola. Barber y Lameiro combinan la filmación con la captura de imágenes con tecnologías digitales de captura de datos. Con motivo de esta exposición, Artium Museoa ha editado una publicación con texto de María Palacios Cruz, comisaria, profesora e investigadora sobre imagen en movimiento. La producción de la película ha contado con la colaboración de Corporación Mondragon. El programa Sala Z está comisariado por Garbiñe Ortega.

La película comienza en la oscuridad, mientras una voz de mujer describe las imágenes que ve, o las que se le ha permitido ver. Como explica María Palacios Cruz, “ella las entiende como referidas a la «muerte», pero en ellas no hay tristeza ni dureza. Todo forma parte del orden natural de las cosas: vida y muerte son inseparables. Más tarde sabremos que las imágenes que describe la mujer son las voces de los árboles de un bosque que va a ser deforestado”. Y es que tras el abandono de los pueblos durante los años 60 en el Valle de Arce, el Gobierno de Navarra plantó pinos en los campos que se labraban o eran pasto para los animales. Más de 50 años después en uno de estos pueblos han decidido talar los pinos y recuperar los campos, las prácticas agrícolas y el modo de vida que estuvo a punto de desaparecer con la despoblación de las zonas rurales en favor de las ciudades. Sus habitantes siempre le llamaron a ese lugar «el Paraiso».

Maddi Barber y Marina Lameiro han realizado esta película combinando el rodaje analógico en 16 mm y su particular textura con la captura de imágenes digitales mediante un escáner de paisajes en tres dimensiones. La exposición incorpora además una serie de mapas topográficos y ortofotografías de distintas épocas que demuestran la sucesiva transformación de este territorio del Valle Arce, junto con un herbario con muestras recogidas en la zona en la que se ha rodado la película. Una serie de imágenes del making-of y una pieza sonora que conserva la memoria de los sonidos del bosque completan el proyecto.

Paraíso es la primera colaboración entre Maddi Barber y Marina Lameiro. Tanto Barber como Lameiro han formado parte de procesos colectivos y participativos con anterioridad, pero Paraíso no es tanto un intercambio entre sus respectivas prácticas artísticas, sino un intercambio, tanto humano como no humano, con y entre los habitantes de los bosques de los alrededores de Lakabe; una historia contada por los árboles que van a ser talados para dejar espacio a tierras de pasto.

Las directoras
Maddi Barber (Lakabe, 1988) es autora de películas como 592  metroz goiti (2018) y Urpean lurra, entre las más recientes. Sus trabajos han podido verse en festivales como Visions du Réel, San Sebastián (Zabaltegi), Punto de Vista, Ji.hlava, Porto Post Doc y Las Palmas, entre otros. En este momento se encuentra trabajando en el desarrollo de su primer largometraje, Claros de bosque.

Marina Lameiro (Pamplona, 1986) es cineasta y productora. En 2018 estrena su primer largometraje Young & Beautiful, que obtuvo premios y reconocimientos en numerosos festivales. Su segundo largometraje Dardara, entró en la lista de las 10 películas más vistas en salas de cine tras su estreno en el festival Punto de Vista.

Programa de cine Sala Z
El programa Sala Z (zinema) no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo desde la reflexión acerca de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico. Entre las cuestiones que atraviesan las obras del programa destaca el interés y la investigación que despliegan los y las autoras sobre la idea de lo colectivo, los modos en los que seguir pensando y trabajando en común y proyectando un futuro compartido.

Cada película se proyecta en la denominada Sala Z en loop durante un periodo aproximado de dos meses. Las películas son objeto de una conversación con autores y autoras. Con cada nuevo proyecto expositivo se edita una publicación que recoge una ficha técnica completa de los trabajos en sala y un texto específico escrito por distintos especialistas, críticos, historiadores…, de forma que se fomenta la ampliación, el análisis y la reflexión sobre las obras programadas.

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes 

Paraíso. Maddi Barber / Marina Lameiro. Sala Z

Sala Z, desde el 2 de julio hasta el 12 de septiembre de 2021
Sala Z es un programa de cine comisariado por Garbiñe Ortega
Estreno de Paraíso: viernes 2 de julio, desde las 11:00 horas
Duración: 22minutos
Publicación, con texto de María Palacios Cruz
Proyección de la película y charla con las directoras: viernes 2 de julio, 18:00 horas
La producción de esta película ha contado con la colaboración de Corporación Mondragon

La exposición revisa una serie de prácticas históricas de pedagogía basadas en la autoconstrucción y el juego y crea un espacio de encuentro y aprendizaje. La muestra incorpora además trabajos de artistas como Carme Nogueira, Raphael Escobar y Abraham Cruzvillegas

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium Museoa, presenta la exposición Autoconstrucción. Piezas sueltas. Juego y experiencia. Antonio Ballester Moreno (Sala A3, hasta el 1 de noviembre de 2021). Este proyecto surge del proceso de reflexión del museo sobre su relación con su contexto urbano y social y en concreto sobre el potencial de su plaza interna como punto de encuentro del entorno. Ballester, uno de los artistas con los que el museo ha conversado sobre este asunto, revisa una serie de prácticas históricas de pedagogía basadas en la autoconstrucción y el juego y configura en este proyecto, pensado para no ser una exposición al uso, un espacio de encuentro y aprendizaje. La exposición, que incorpora también trabajos de Carme Nogueira, Raphael Escobar y Abraham Cruzvillegas, está comisariada por Ángel Calvo Ulloa y su producción ha contado con la colaboración de Dinamoa Sormen Gunea de Azpeitia y del alumnado y profesorado de Barrutia Ikastola de Vitoria-Gasteiz.

La exposición de Antonio Ballester Moreno Autoconstrucción. Piezas sueltas. Juego y experiencia es el resultado de diversos procesos colaborativos iniciados en el marco de Plazaratu, el proceso de reflexión sobre la conexión del Museo como institución y como estructura arquitectónica con su entorno y su capacidad para ser punto de encuentro y centro de relaciones sociales.

Ballester Moreno utiliza en su práctica artística métodos vinculados a la pedagogía y en ciertos proyectos involucra a grupos de escolares y ocasionalmente adultos para dar forma a una idea inicial. En su propuesta en el Museo Artium, el artista toma como referencia una serie de prácticas pedagógicas desarrolladas en el siglo XX, basadas en la autoconstrucción como juego, y en transformar la acción -construir, reconstruir, arreglar, remodelar- en una manera de aprender, de formarse y de vivir. La arquitecta inglesa Lady Allen of Hurtwood, el activista danés Palle Nielsen, el arquitecto italiano Enzo Mari o el artista inglés Simon Nicholson son algunas de las figuras que inspiran estas experiencias, tal y como explica ampliamente el comisario Ángel Calvo Ulloa en la publicación que acompaña la exposición.

De esta forma, la Sala A3 del museo acoge la instalación de los objetos producidos en los talleres desarrollados en primavera por Antonio Ballester Moreno en un centro educativo como Barrutia Ikastola de Vitoria-Gasteiz y en un espacio de creación como Dinamoa Sormen Gunea de Azpeitia.

En el caso de Barrutia Ikastola, siguiendo la práctica de Enzo Mari y su manual autoprogettazione? y la Teoría de las piezas sueltas de Simon Nicholson, el artista convocó la participación del alumnado, las familias y el profesorado en un taller de construcción de muebles. Creados a partir de piezas y herramientas elementales y siguiendo planos e instrucciones realizadas al efecto, esos objetos -mesas, bancos, plataformas, cabañas- convierten la sala A3·en una plaza, un parque que se abre además al exterior del museo, a su huerto urbano.

Por otro lado, la exposición acoge además la instalación de un gran mural de 30 metros de largo y 4 de alto, integrado por un conjunto de 164 piezas de serigrafía producidas en el taller que Ballester Moreno dirigió en Dinamoa Sormen Gunea a partir de los diseños propuestos por el artista.

Esta tendencia de Ballester Moreno “a trabajar en proyectos que se diluyen en lo colectivo”, como señala el comisario, se acentúa con la invitación a otros artistas a participar en Autoconstrucción…: Carme Nogueira y los talleres que desarrolló a partir del documental de Buñuel Las Hurdes, tierra sin pan y las experiencias pedagógicas innovadoras desarrolladas en esa comarca extremeña en los años 30; Raphael Escobar y Os Cupins das Artes y los talleres realizados con personas sin techo en São Paulo; y Abraham Cruzvillegas y los procesos de autoconstrucción arraigados en los barrios populares de Ciudad de México que pueden rastrearse en su práctica artística.

Ballester Moreno ha realizado exposiciones individuales en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, en La Casa Encendida de Madrid, en el MAZ de Guadalajara, México, en el MUSAC de León, en la Galería MaisterraValbuena de Madrid, Pedro Cera en Lisboa, Christopher Grimes en Santa Monica y en Peres Projects tanto en Berlín como en Los Angeles. También ha participado en exposiciones colectivas como la 33ª Bienal de Sao Paulo, como artista y comisario, en el MSU Broad Museum en Michigan, en el CA2M en Madrid, así como en galerías en Nueva York, Berlín y Los Angeles, entre otras. Su trabajo está en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MUSAC en León, el CA2M en Madrid, Colección Iberdrola y en la Fundación Helga de Alvear.

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Autoconstrucción. Piezas sueltas. Juego y experiencia. Antonio Ballester Moreno
Sala A3, desde el 25 de junio hasta el 1 de noviembre de 2021
Comisariado: Ángel Calvo Ulloa
Publicación con texto de Ángel Calvo Ulloa
Charla con el artista: viernes 25 de junio, 18:00 horas
Horario especial con motivo de la apertura: desde las 11:00 hasta las 20:00 horas, ininterrumpido.
Esta exposición ha sido posible gracias a la colaboración de Barrutia Ikastola, Vitoria-Gasteiz, y Dinamoa Sormen Gunea, Azpeitia

Se trata un grupo significativo de dibujos y esculturas, de los cuales, cinco acuarelas de distintos formatos que pertenecen a la serie Tuya gigante, tuya occidental, han entrado a formar parte de la Colección del Museo de manera reciente. Contextos desde una Colección, al igual que a los casos de estudio y las rotaciones dentro de la exposición Zeru bat, hamaika bide, pretende incrementar la visibilidad del excepcional fondo contemporáneo del Museo

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium, presenta dentro del programa expositivo Contextos desde una colección, un conjunto de cinco acuarelas de distintos formatos de la artista Nadia Barkate de reciente adquisición, pertenecientes a la serie Tuya gigante, tuya occidental (Sala A02, hasta el 5 de septiembre de 2021). Estas piezas se contextualizan con una selección de obras de Barkate, acuarelas y esculturas en vidrio soplado, producidas en los últimos tres años. Contextos desde una colección conforma una serie de exposiciones dedicada a dar a conocer la producción de artistas que recientemente han pasado a formar parte de los fondos del Museo.

Nadia Barkate (Bilbao, 1980) desarrolla su trabajo a través del dibujo y sus inercias. En su práctica está muy presente cierta voluntad narrativa que vincula lo cotidiano, lo manual y la palabra. Tuya gigante, tuya occidental es parte de un grupo de acuarelas de pequeño y gran formato que Barkate realizó a lo largo de 2018 y 2019. Surgieron, según la artista, de momentos de ensimismamiento en su estudio en los que tomó conciencia de los gestos que acostumbraba a hacer con las manos mientras estaba concentrada.

La exposición presenta cinco piezas adquiridas en 2020 en el marco del plan de apoyo al sector artístico del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, que forman parte del fondo Colección compartida, seleccionado por el Museo Artium, Tabakalera de San Sebastián y el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Además, estas cinco obras se contextualizan con otras seis acuarelas y cinco esculturas en vidrio soplado de reciente producción, piezas procedentes en algunos casos de colecciones particulares.

Nadia Barkate ha expuesto recientemente en espacios como: Okela (Bilbao), Galería MPA (Madrid), Galleria Nappa and Studio Mustanapa, (Rovaniemi,2021), Lìtost Gallery (Praga, 2020), Bombón Projects (Barcelona,2019), Westfälischer Kunstverein (Münster, 2019), Museo de Bellas Artes de Bilbao (2018), Tabakalera (San Sebastián, 2018), Ethall (Barcelona, 2018), Alhóndiga (Bilbao, 2018), Carreras Múgica (Bilbao, 2015), Altes Finanzamt (Berlin, 2015), Espai 01 (Olot, 2012), Montehermoso (Vitoria-Gasteiz, 2010), entre otros.

Por otra parte, con motivo de esta exposición, el Museo ha editado un nuevo ejemplar de la serie #Bilduma, en la que se publican textos de escritores, comisarios e historiadores sobre obras y artistas que forman parte de su fondo patrimonial de carácter público. En esta ocasión, el autor del texto en torno a la obra de Barkate es Mariano Mayer (Buenos Aires, Argentina, 1971), poeta y comisario de exposiciones. Desde el 2002 vive en Madrid. Entre sus últimos proyectos figura la exposición Azucena Vieites. Playing Across Papers, Sala Alcalá 31 (Madrid, 2020). Es autor del libro Fluxus Escrito. Actos textuales antes y después de Fluxus.

Contextos desde una Colección

Contextos desde una colección, el programa al que pertenece esta exposición de Nadia Barkate, se suma a partir de 2021 a otras iniciativas que tienen como finalidad promover el conocimiento de la Colección del Museo Artium, un excepcional fondo contemporáneo de carácter público integrado por casi 2.400 obras de arte. Así, además de la exposición permanente de la Colección, Zeru bat, hamaika bide, la Sala A01 acoge casos de estudio y exposiciones vinculadas al trabajo de investigación y la cronología 1977-2002 desplegada en esta muestra. La propia exposición Zeru bat, hamaika bide conoce periódicamente modificaciones que incorporan nuevos recorridos internos. La creación de la serie #Bilduma dentro del programa de publicaciones del Museo se enmarca en este mismo objetivo.

El programa de adquisiciones del Museo contribuye a explorar y a dar cuenta de los debates y las prácticas que se están desarrollando en el campo del arte en el momento presente, y es además una herramienta indispensable para tomar el pulso a un momento caracterizado por su dinamismo y su complejidad. Esta es una de las funciones fundamentales del Museo: fomentar la producción de patrimonio contemporáneo e impulsar a los y las artistas y sus producciones.

El artista Daniel Llaría fue el primero en exponer en el espacio A02, mientras que después de Nadia Barkate lo hará Lorea Alfaro.

La exposición  Obras en exposición  Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes 

Nadia Barkate. Tuya gigante, tuya occidental. Contextos desde una exposición
Sala A02, desde el 29 de mayo hasta el 5 de septiembre de 2021
Publicación: Nadia Barkate. Mi momia. Serie #Bilduma. Texto de Mariano Mayer.