La muestra presenta 19 casos de estudio sobre proyectos de vocación educativa que comparten la reclamación de Jorge Oteiza de disponer de espacios de encuentro, de formación y de crecimiento cultural.

La exposición está comisariada por Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío y Sergio Rubira y es producto de la colaboración con la Fundación Museo Jorge Oteiza.

La muestra se inscribe en una línea de actuación prioritaria del museo dirigida a la producción de proyectos que subrayen y potencien las relaciones que se establecen entre prácticas artística y modelos pedagógicos experimentales. En este línea de trabajo  se sitúan programas como el Instituto de prácticas artísticas JAI y el proyecto educativo MAGNET

El Museo Artium, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Un sitio para pensar. Escuelas y prácticas educativas experimentales de arte en el País Vasco, 1957-1979, (Sala A3, hasta el 5 de junio de 2022). La muestra se estructura en 19 casos de estudio que analizan otros tantos proyectos desarrollados en ese período caracterizados por su vocación educativa y su voluntad de crear espacios para la investigación y el encuentro en el contexto del arte. Un sitio para pensar está vinculado a otros proyectos desarrollados por Artium Museoa que vinculan arte y pedagogía, como la muestra de Antonio Ballester Moreno celebrada en 2021 o el programa de estudios JAI. Con motivo de la exposición, el Museo Artium ha editado un catálogo y una guía de mano. La investigación y el comisariado de Un sitio para pensar han sido realizados por Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío y Sergio Rubira. La exposición está organizada con la colaboración de la Fundación Museo Jorge Oteiza de Alzuza, donde el próximo miércoles 26 de enero se presentará un nuevo caso de estudio, Un ojo transitivo. El proyecto del Cine Club Irún.

A partir de una constatación de Jorge Oteiza, publicada en Quousque Tandem…! (1963): «Nosotros, que no tenemos ni un lugar de convergencia, ni un simple sitio para reunirnos a pensar, no podemos hablar de investigación», esta exposición se ocupa de esta llamada a la acción para generar espacios para el encuentro que posibiliten la formación y el crecimiento sociopolítico, cultural e intelectual del niño y la niña, el hombre y la mujer en el País Vasco. La muestra recupera y reúne una serie de proyectos con vocación educativa, ya sean de naturaleza colectiva o individual, desarrollados entre 1957 y 1979, que comparten el mismo argumento de necesidad apuntado por Oteiza.

Al añadir al mapa nombres y lugares que dibujan esas experiencias, se visibilizan conexiones entre artistas y geografías que comparten un interés por aspectos clave dentro del panorama artístico vasco y español en ese momento: los debates entre abstracción y figuración, la defensa de la integración de las artes, la urgencia de renovación de la enseñanza artística o la consideración de la función social del arte, donde el niño y la niña como sujetos y destinatarios reciben una atención especial. Con ello se propone una aproximación a los episodios fundacionales del arte vasco contemporáneo, ahora desde los procesos de configuración del artista como educador y la enseñanza artística, sin perder de vista el estudio de ambos ejes desde el contexto histórico-social del momento.

El arco cronológico estudiado se abre en un año en el que confluyen diversas iniciativas y programas dentro y fuera del País Vasco, y coincide con el momento en el que Jorge Oteiza abandona su proceso de experimentación escultórico para centrarse en la reflexión sobre el papel social y político del artista (1957-1979). Se extiende hasta el año en el que la Escuela Superior de Bellas Artes del País Vasco inicia una nueva etapa como Facultad, una conversión en la que el factor nominal contiene la promesa de una transformación de fondo de su estructura, programa, equipamientos y renovación docente.

Entre ambas fechas, se presenta un conjunto de casos, nombres y lugares siguiendo un orden diacrónico que se ve afectado por una narración sincrónica, lo cual evidencia la simultaneidad de experiencias y el desarrollo de las distintas iniciativas educativas de carácter experimental desde las artes plásticas. Se trata de un conjunto de propuestas heterogéneas en sus enunciados y modos de articulación, desarrolladas en el País Vasco en unos años marcados por procesos de renovación y reconstrucción de la sociedad vasca y cuyo denominador común es el no secundar una educación reglada u oficial, señalando con ello que cada «sitio para pensar» activado se convertía en un espacio de posibilidades.

Nota de prensa (pdf)  Cuaderno de sala (pdf)  Sobre la exposición

Actividades asociadas

Conversación con Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Viernes 21 de enero, 18:00 horas. Auditorio de Artium Museoa. También emisión en streaming

Mesa redonda: Prácticas educativas y medio audiovisual. José Antonio Sistiaga y su contexto, 1957-1979. Con Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Jueves 10 de marzo, 18:00 horas. Plaza Kutxa Kultur (Tabakalera, San Sebastián)
Actividad realizada conjuntamente con Kubo Kutxa. Kutxa Fundazioa

Encuentro online sobre el contexto de las escuelas y prácticas experimentales en los años 60 y 70 y su posible aplicación a la estructura y práctica educativa contemporánea
Miércoles 16 de marzo a las 18.00 horas. Organizado por Fundación Museo Jorge Oteiza y Artium Museoa

Próximas visitas guiadas a Un sitio para pensar: domingo 23 de enero, 12:30; miércoles 26 de enero, 18:00; sábado 29 de enero, 17:30; domingo 6 de febrero, 17:30 horas; miércoles 16 de febrero, 18:00 horas; sábado 26 de febrero, 12:30 horas

Un sitio para pensar. Escuelas y prácticas educativas experimentales de arte en el País Vasco, 1957-1979

Sala A3, desde el 21 de enero hasta el 5 de junio de 2022
Comisariado: Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira
Catálogo, con textos de David Fuente, Juan Pablo Huércanos, Irene López Goñi, Mikel Onandia, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira, Fátima Sarasola, Miren Vadillo (próxima publicación)
Guía de mano de la exposición
Esta exposición es producto de la colaboración entre Artium Museoa y la Fundación Museo Jorge Oteiza, donde se expondrá uno de sus casos de estudio, Un ojo transitivo. El proyecto del Cine Club Irún (desde el jueves 27 de enero hasta el 30 de abril de 2022)

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La cinta es el resultado un proyecto de cuatro años de Baudelaire con un grupo de estudiantes del colegio Dora Maar de París. «No es una película sobre niños, sino hecha por niños» que capta los momentos en que estos y estas adolescentes comienzan a ser conscientes de su entorno y a adoptar posturas críticas y políticas

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Con motivo de la apertura de la exposición Un film dramatique, de Éric Baudelaire, dentro del programa Sala Z (apertura: jueves 25 de noviembre, desde las 11:00 horas).
Proyección de la película en el Auditorio del museo, con presentación a cargo de la comisaria Garbiñe Ortega.

Miércoles 24 de noviembre, 18:00 horas
Entrada gratuita. Aforo limitado. Inscripciones: 945 20 90 20

¿Qué estamos haciendo juntos? Es una pregunta recurrente para los estudiantes de la clase de cine en la escuela de secundaria Dora Maar, y para Eric Baudelaire (Salt Lake City, EEUU, 1973), que trabajó con ellos durante cuatro años. Responder a esta pregunta política —que conlleva representaciones de poder, violencia social e identidad— los llevó a buscar una forma cinematográfica que hiciera justicia a la singularidad de cada estudiante, pero también a la esencia de su grupo.

Éric Baudelaire (1973) es un artista y cineasta afincado en París. Tras cursar estudios de ciencias políticas, Baudelaire se forjó un nombre como artista visual gracias a una práctica basada en la investigación que incorpora fotografía, imágenes impresas y vídeo. El cine ha ocupado un lugar fundamental en su obra desde 2010.

Sobre la exposición 

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El Museo Artium, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la exposición Mariana Castillo Deball. Amarantus, (Sala A2, hasta el 13 de marzo de 2022). La exposición reúne una amplia selección de obras producidas en su mayoría en la última década, en las que se puede rastrear el interés de Castillo Deball por la forma en que el conocimiento y la cultura se producen, representan y difunden y en concreto por los procesos de apropiación y recodificación de la historia precolonial mexicana. Con motivo de la exposición, el Museo Artium ha editado una publicación con texto de la comisaria de la misma, Catalina Lozano. Amarantus está organizada en colaboración con Museum für Gegenwartskunst Siegen (Alemania) y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México).

Amarantus presenta una selección de trabajos de Mariana Castillo Deball (Ciudad de México, 1975) quien, desde sus obras tempranas, se ha interesado por la forma en que el conocimiento y la cultura se producen, representan y difunden. Trabajando diagonalmente entre artes visuales, ciencia y ficción, la artista ha indagado acerca de cómo se ha investigado, apropiado y recodificado la historia precolonial mexicana en diferentes momentos.

La artista ha explorado cómo el azar —producto del tiempo transcurrido, la erosión, la fragmentación y las intervenciones humanas, entre otros factores— determina en gran medida la forma en que aprendemos a describir el mundo y los relatos que elaboramos. Este interés la ha impulsado a investigar la historia de determinados artefactos —que ella llama «objetos incómodos»—, sus devenires, reproducciones, apropiaciones y desapariciones. Estos objetos interpelan a los relatos hegemónicos desde sus condiciones inestables y, para abordarlos, Castillo Deball pone en marcha un ejercicio de imaginación que busca problematizar la relación entre sujetos y objetos establecida por la modernidad, y convierte a estos últimos en narradores de lo que ocurre a su alrededor.

Sus estrategias formales a menudo se aproximan a las metodologías empleadas por los arqueólogos para «atrapar» sus hallazgos. Estos objetos, o imágenes sucedáneas, se acercan conceptualmente a la antigua noción nahua de ixiptla, que puede interpretarse como ‘representación, imagen, sustituto’, pero también ‘piel’. Este concepto resulta indispensable para abordar muchos de los proyectos de Castillo Deball en la última década.

La palabra «amarantus», que da nombre a la exposición, proviene del griego Αμάρανθος y designa a una flor que nunca muere —como la del amaranto, planta indispensable en la alimentación tradicional mexicana, que nunca se marchita—. La flor de amaranto evoca la persistencia de esos «objetos incómodos», restos materiales de devenires históricos azarosos que fascinan a Castillo Deball.

Amarantus integra una veintena de obras fechadas en su mayoría en la última década. Situada a la entrada se encuentra Para qué me diste las manos llenas de color / todo lo que toque se llenará de sol (2018), pintura mural realizada con pigmentos naturales sobre una pared cilíndrica. La instalación Nuremberg Map of Tenochtitlan (2013) es una amplia zona cubierta con tableros de madera en los que la artista reproduce a gran escala el primer mapa de la capital azteca realizado hace 500 años por los colonizadores españoles. Otra obra de grandes dimensiones es Pleasures of Association, and Poissons, such as Love (2017), una instalación en forma de espiral construida en bambú que ilustra la evolución de los vertebrados durante 200 millones de años.

Mariana Castillo Deball
La trayectoria de Mariana Castillo Deball ha sido reconocida con premios internacionales como el de la Galería Nacional de Berlín en 2013; el Zurich Art Prize en 2012; o el Ars Viva Award, en 2009. Ha participado en la Bienal de Sharjah de 2017, la Bienal de Berlín en 2014, la dOCUMENTA (13) de Kassel en 2014 y la Bienal de Venecia en 2011. Recientemente ha presentado exposiciones individuales en Modern Art Oxford (2020), en el Monash University Museum of Art de Melbourne (2019), y en el New Museum de New York City (también en 2019). Desde 2015 es profesora de escultura en la Kunstakademie de Münster (Alemania).

Exposición  Lista de obras  Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes 

Mariana Castillo Deball. Amarantus

Sala A2, desde el 5 de noviembre de 2021 hasta el 13 de marzo de 2022
Comisariado: Catalina Lozano
Publicación, con texto de Catalina Lozano
Conversación entre Mariana Castillo Deball y Catalina Lozano: viernes 5 de noviembre, 18:00 horas
Visitas guiadas en noviembre: domingo 7, 12:30; miércoles 10, 18:00; sábado 13, 17:30; sábado 20, 12:30; miércoles 24, 18:00
En colaboración con Museum für Gegenwartskunst Siegen (Alemania) y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (México)

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The exhibition brings together a wide selection of paintings from her Social Landscapes series, which the artist began in the 1990s. Txaro Arrazola creates disturbing contemporary landscapes that show the devastating effects of human action on the planet and its people

Artium Museum of Contemporary Art of the Basque Country presents the exhibition Txaro Arrazola. A Magnificent Exploitation (A1 Gallery, until 13 March 2022). The exhibition brings together a wide selection of paintings from her Social Landscapes series, which the artist has been developing since the 1990s and in which she paints scenes that represent the devastating effects of direct or indirect human action on the planet and its people. A Magnificent Exploitation, curated by Xabier Arakistain, also presents other pieces from this early period, including drawings, photographs and patchworks made from clothes acquired in Salvation Army shops. Artium Museum has also published a book with essays by Arakistain and Rocío de la Villa to accompany this exhibition.

It is indeed paradoxical that ‘explotar’ means three things in Spanish: “to extract from the earth its wealth”, “to exploit the work or qualities of another person for one’s own benefit” and “to blow up, to make an explosion”. The title of this exhibition uses these three meanings of the verb to suggest connections between them from which to approach the idea of contemporary landscape in the work of Txaro Arrazola (Vitoria-Gasteiz 1963).

Una magnífica explotación (A Magnificent Exploitation) brings together a wide selection of paintings from her series Paisajes sociales (Social Landscapes), which Txaro Arrazola has been producing since 1993, when she completed her first drawings of the landscape views that could be seen from the large window of her studio in an old factory in the then dilapidated neighbourhood of Bushwick, New York. Her drawings from life were subsequently replaced as a reference for her paintings by images that she took from newspapers and magazines. Extracting images and journalistic photographs from the news briefs conferred by their medium and transcending the everyday nature of the daily press to convert these into artistic artefacts extends their temporality and, above all, exponentially expands their functionality.

Arrazola would use this displacement to create disturbing contemporary landscapes from various parts of the world that display all manner of destruction caused by direct or indirect human action. Landscapes portraying situations of extreme poverty, favelas, war refugee camps or those of migrants for climatic or economic reasons. These sombre or directly dark paintings have very few colours and they depict an unhappy world in which people never appear.

In keeping with the idea of proximity so as not to disrupt the impression that the works extend beyond the limits of the canvas, the paintings are not framed. Nor are they framed in the past. Unfortunately today, just as 30 years ago, the works remain strictly topical. Txaro Arrazola’s social landscapes are still an all too familiar everyday scene.

Txaro Arrazola
Txaro Arrazola graduated in Fine Arts from UPV/EHU in 1988. She was awarded a Fulbright Scholarship (1996-1997) and MFA from the State University of New York, Purchase College (1996-1998) and has a PhD in Fine Arts (2012). Her work is characterised by social engagement, feminist critique of representation and research into collaborative methodologies.

She combines her individual artistic practice of painting with transdisciplinary projects and group projects, including actions produced with the Plataforma A collective in public spaces. Her work has been exhibited at Galería Vanguardia (Bilbao, 2019, 2014, 2014, 2011, 2007); Fundación Pedro Modesto Campos (Tenerife 2007); Centro Cultural Montehermoso (Vitoria-Gasteiz, 2008, 2005), and Kunstarkaden Der Stadt (Munich 2008), among other spaces and institutions.

List of works  Image request  Exhibition 

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La exposición do mess with me contiene los vídeos <3 S P S <3 BLOOD y <3 S P S <3 INK adquiridos en 2020 dentro del plan de apoyo al sector artístico del Gobierno Vasco. Contextos desde una colección, al igual que a los casos de estudio y las rotaciones dentro de la exposición Zeru bat, hamaika bide, pretende incrementar la visibilidad del excepcional fondo contemporáneo del museo

El Museo Artium, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta dentro del programa expositivo Contextos desde una colección, dos vídeos de la artista Lorea Alfaro, <3 S P S <3 BLOOD y <3 S P S <3 INK, recientemente adquiridos para la Colección del museo (Sala A02, hasta el 16 de enero de 2022). La exposición do mess with me incluye además de estas dos piezas una selección de obras de Alfaro, entre ellas las piezas realizadas con papel pintado Paski y Paretara, y el vídeo Tú re-post. La muestra incluye también la edición de la publicación do mess with me, que contiene una conversación entre Lorea Alfaro y el fotógrafo Rafa Castells. Contextos desde una colección conforma una serie de exposiciones dedicada a dar a conocer la producción de artistas que recientemente han pasado a formar parte de los fondos del Museo.

La serie <3 S P S <3 (2016-2017), de la que forman los dos vídeos, representa una forma contemporánea de retrato. Parte del diseño de una camisa de seda hecha a medida para el retratado, un conocido cantante de la escena del trap español. Lorea Alfaro concibe el diseño de la camisa como la realización de un molde: «Un molde es una pieza [CAMISA], o conjunto de piezas acopladas [PATRÓN], interiormente huecas pero con los detalles e improntas exteriores del futuro sólido que se desea obtener [ÉL]. Generalmente, un molde flexible [SEDA] se monta con un contra-molde rígido [VÍDEO] o “madre” [MADRE] que sujete la forma evitando su deformación [VÍDEO]. La ventaja de los moldes flexibles es permitir su desmolde con más delicadeza [SILK], procurando un mejor resultado de la pieza; además, es más liviano [SILK] y duradero [ARTE]».

El estampado de la camisa tiene como motivo repetido el tatuaje que tenía en el antebrazo un familiar de la autora. La exposición muestra la relación que hay entre estos dos vídeos y dos trabajos previos, Paretara y Paski (vinilo sobre pared, 2014-2021), y uno posterior, el vídeo Tú, re-post (2017). Estas relaciones, presentes en todo su trabajo, señalan el interés de esta artista por buscar la manera de insertar en la vida elementos que provengan de un tipo de atención, de cuidado, de tiempo, distintos a los que se dan en los objetos cotidianos.

Lorea Alfaro (Estella-Lizarra, 1982) es artista. Sus trabajos más recientes se han podido ver en las exposiciones 2020, junto con Jon Otamendi (Fundación Joan Miró, 2021), Un mundo sin cualidades (Galería CarrerasMugica, 2020) o No lo banalices (Galería CarerrasMugica, 2018, 948Merkatua, 2019). Desde 2014 trabaja a través de la marca hueca LA. Por otra parte, con motivo de esta exposición, el Museo ha editado un nuevo ejemplar de la serie #Bilduma, en la que se publican textos de escritores, comisarios e historiadores sobre obras y artistas que forman parte de su fondo patrimonial de carácter público. En esta ocasión, la publicación recoge una conversación entre Lorea Alfaro y el también artista Rafa Castells.

Contextos desde una colección
Contextos desde una colección, el programa al que pertenece esta exposición de Lorea Alfaro, se suma a partir de 2021 a otras iniciativas que tienen como finalidad promover el conocimiento de la Colección del Museo Artium, un excepcional fondo contemporáneo de carácter público integrado por casi 2.400 obras de arte. Así, además de la exposición permanente de la Colección, Zeru bat, hamaika bide, la Sala A01 acoge casos de estudio y exposiciones vinculadas al trabajo de investigación y la cronología 1977-2002 desplegada en esta muestra. La propia exposición Zeru bat, hamaika bide conoce periódicamente modificaciones que incorporan nuevos recorridos internos. La creación de la serie #Bilduma dentro del programa de publicaciones del Museo se enmarca en este mismo objetivo.

El programa de adquisiciones del Museo contribuye a explorar y a dar cuenta de los debates y las prácticas que se están desarrollando en el campo del arte en el momento presente, y es además una herramienta indispensable para tomar el pulso a un momento caracterizado por su dinamismo y su complejidad. Esta es una de las funciones fundamentales del Museo: fomentar la producción de patrimonio contemporáneo e impulsar a los y las artistas y sus producciones.

Daniel Llaría, Nadia Barkate y Lorea Alfaro son las y los artistas que han participado en este programa en 2021.

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes  Exposición 

Lorea Alfaro. do mess with me. Contextos desde una colección

Sala A02, desde el 17 de septiembre de 2021 hasta el 16 de enero de 2022
Publicación: do mess with me. Lorea Alfaro/Rafa Castells.    

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La artista británica es conocida por su trabajo cinematográfico, que compagina con su interés por la pintura y el grabado. La obra de Nashashibi muestra «la importancia de tejer lazos que puedan (…) hacer posible una existencia más agradable y amable». La muestra incluye varias pinturas realizadas durante la estancia de la artista en el Museo Artium para el montaje del proyecto

El Museo Artium, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta a la artista Rosalind Nashashibi en un nuevo proyecto expositivo para su programa Sala Z (hasta el 14 de noviembre de 2021). La propuesta incluye la proyección de dos películas de la artista británica, Vivian’s Garden y Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, junto con diversas pinturas realizadas por Nashashibi durante su estancia en el museo con motivo de la preparación de la exposición. Con este motivo, el museo ha editado una publicación con texto de Francisco Salas. El programa Sala Z integra un espacio para visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo, y está comisariado por Garbiñe Ortega.

Rosalind Nashashibi (Croydon, Londres, 1973) es conocida fundamentalmente por sus trabajos cinematográficos en formato de 16mm; realiza películas que parten de experiencias personales y de la observación del comportamiento humano y las relaciones sociales en determinadas comunidades. La artista compagina el cine con su interés por la pintura y el grabado como formas de expresión. Junto a las dos películas que se proyectarán en la Sala Z, la artista ha realizado diversas pinturas para este proyecto en el Museo Artium. En sus obras tienen cabida cuestiones como el compromiso político y social, el género, la familia o el sentido de comunidad.

Tal y como indica Francisco Salas en su texto para la publicación, «la capacidad de Rosalind Nashashibi de aportar una perspectiva humanista a la temática de sus películas hace de ella una artista esencial en el contexto de un mundo necesitado de una belleza más sensible y significativa». Salas destaca también en Nashashibi «la importancia de tejer lazos que puedan sostener y hacer posible una existencia más agradable y amable».

Las películas
Vivian’s Garden (El jardín de Vivian) (2017) muestra la relación entre Vivian Suter y su madre, Elisabeth Wild, dos artistas emigradas suizo/austríacas que viven en la selva de Panajachel, Guatemala, donde han desarrollado una composición matriarcal en un entorno que ofrece tanto refugio como terror. La película recoge la mirada cercana y soñadora de sus vidas artísticas, emocionales y económicas, además de las ampliaciones de sus familias: los mayas como ayudantes y guardianes de la casa y unos cuantos perros, lo que nos muestra un reflejo tierno en un momento de complejidad poscolonial.

Por su parte, la película Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, (Primera parte:Donde hay un ambiente festivo, aparecerá un camarada para compartir un vaso de vino) (2018), se aproxima a las relaciones afectivas y a la construcción de comunidad. Toma forma de conjuro o promesa acerca de un tipo de estructura familiar liberador. Su narrativa, no lineal, entrelaza varios escenarios de la intimidad, algunos situados en espacios domésticos compartidos, otros en ambientes exteriores. Rodada en Lituania, Londres y Edimburgo, la película presenta a la artista y a sus hijos, así como a sus amigos íntimos, a los que considera familia extensa, y con los que explora nuevos modos de convivencia.

Las pinturas
Nashashibi ha realizado in situ para este proyecto tres pinturas dobles, que la conectan con el entorno. En una de ellas aparece una sandía, imagen utilizada como sustituta de la bandera palestina, ya que la combinación de sus colores —negro, blanco, verde y rojo— fue ilegalizada por las fuerzas de ocupación israelíes desde 1967 hasta después de la formación de la entidad palestina. Nashashibi señala la similitud con los colores de la bandera vasca.

La artista cita asimismo el conjuro de la cultura tradicional vasca «laino guztien azpitik eta sasi guztien azpitik» (por debajo de todas las nubes… y por encima de todas las zarzas) al que se hace referencia en al exposición Zeru bat, hamaika bide, de la Colección del museo. Adoptado por el poeta Joxean Artze en 1973, definió, como la sandía en la Palestina ocupada, un campo de acción social y político, poniendo la tierra en el centro de la lucha.

Experimentar el momento en múltiples capas ha sido un tema recurrente en las pinturas y películas de Nashashibi. Por debajo las nubes y por encima de las zarzas; del mismo modo, las formas de estas pinturas habitan distintos estados: partidas por la mitad, están tanto en el suelo como por encima de él.

Rosalind Nashashibi
Nashashibi es una cineasta y pintora afincada en Londres. Sus películas describen las cualidades de la experiencia, las cosas y los lugares. Se plantea algunas preguntas: ¿cómo trabajamos?; ¿cómo nos cuidamos unos a otros?; ¿cómo podemos navegar por nuestras propias instituciones?

Entre sus exposiciones individuales se incluyen las organizadas en el Museo Imperial de la Guerra, Londres; UCI de California; Objectif, Amberes; Institute of Contemporary Arts, Londres; y Chisenhale Gallery, también en la capital del Reino Unido. Ha expuesto en Manifesta 7, la Trienal Nórdica y Sharjah 10. Representó a Escocia en la 52ª edición de la Bienal de Venecia. Ha recibido el premio Paul Hamlyn para artistas y en 2003 fue la primera mujer en ganar el Becks Futures. En 2017 participó en la documenta14 de Atenas y Kassel, y ha sido nominada para el Premio Turner.

Sala Z
El programa Sala Z (zinema) no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo desde la reflexión acerca de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico. Entre las cuestiones que atraviesan las obras del programa destaca el interés y la investigación que despliegan sus autores y autoras sobre la idea de lo colectivo, los modos en los que seguir pensando y trabajando en común y proyectando un futuro compartido

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes. Rosalind Nashashibi  Exposición 

Rosalind Nashashibi. Vivian's Garden / Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine

Sala Z, desde el 17 de septiembre hasta el 14 de noviembre de 2021
Películas

  • Vivian's Garden, 2017, 30 min. Transferencia digital de película de 16 mm.
  • Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, 2018, 18 min. Transferencia digital de película de 16 mm.

Publicación, con texto de Francisco Salas
Sala Z es un programa de cine comisariado por Garbiñe Ortega

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Incluida en el programa Sala Z, el film presenta un territorio en transformación tras años de abandono de la actividad agrícola. La película combina escenas rodadas en 16 mm e imágenes obtenidas mediante medios digitales.

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco presenta el estreno de Paraíso, la nueva película de las directoras Maddi Barber y Marina Lameiro, producida en el marco del programa Sala Z del Museo Artium. El cortometraje, de 22 minutos de duración, recorre un territorio en transformación que sus vecinos quieren recuperar después de décadas de abandono de la actividad agrícola. Barber y Lameiro combinan la filmación con la captura de imágenes con tecnologías digitales de captura de datos. Con motivo de esta exposición, el Museo Artium ha editado una publicación con texto de María Palacios Cruz, comisaria, profesora e investigadora sobre imagen en movimiento. La producción de la película ha contado con la colaboración de Corporación Mondragon. El programa Sala Z está comisariado por Garbiñe Ortega.

La película comienza en la oscuridad, mientras una voz de mujer describe las imágenes que ve, o las que se le ha permitido ver. Como explica María Palacios Cruz, “ella las entiende como referidas a la «muerte», pero en ellas no hay tristeza ni dureza. Todo forma parte del orden natural de las cosas: vida y muerte son inseparables. Más tarde sabremos que las imágenes que describe la mujer son las voces de los árboles de un bosque que va a ser deforestado”. Y es que tras el abandono de los pueblos durante los años 60 en el Valle de Arce, el Gobierno de Navarra plantó pinos en los campos que se labraban o eran pasto para los animales. Más de 50 años después en uno de estos pueblos han decidido talar los pinos y recuperar los campos, las prácticas agrícolas y el modo de vida que estuvo a punto de desaparecer con la despoblación de las zonas rurales en favor de las ciudades. Sus habitantes siempre le llamaron a ese lugar «el Paraiso».

Maddi Barber y Marina Lameiro han realizado esta película combinando el rodaje analógico en 16 mm y su particular textura con la captura de imágenes digitales mediante un escáner de paisajes en tres dimensiones. La exposición incorpora además una serie de mapas topográficos y ortofotografías de distintas épocas que demuestran la sucesiva transformación de este territorio del Valle Arce, junto con un herbario con muestras recogidas en la zona en la que se ha rodado la película. Una serie de imágenes del making-of y una pieza sonora que conserva la memoria de los sonidos del bosque completan el proyecto.

Paraíso es la primera colaboración entre Maddi Barber y Marina Lameiro. Tanto Barber como Lameiro han formado parte de procesos colectivos y participativos con anterioridad, pero Paraíso no es tanto un intercambio entre sus respectivas prácticas artísticas, sino un intercambio, tanto humano como no humano, con y entre los habitantes de los bosques de los alrededores de Lakabe; una historia contada por los árboles que van a ser talados para dejar espacio a tierras de pasto.

Las directoras
Maddi Barber (Lakabe, 1988) es autora de películas como 592  metroz goiti (2018) y Urpean lurra, entre las más recientes. Sus trabajos han podido verse en festivales como Visions du Réel, San Sebastián (Zabaltegi), Punto de Vista, Ji.hlava, Porto Post Doc y Las Palmas, entre otros. En este momento se encuentra trabajando en el desarrollo de su primer largometraje, Claros de bosque.

Marina Lameiro (Pamplona, 1986) es cineasta y productora. En 2018 estrena su primer largometraje Young & Beautiful, que obtuvo premios y reconocimientos en numerosos festivales. Su segundo largometraje Dardara, entró en la lista de las 10 películas más vistas en salas de cine tras su estreno en el festival Punto de Vista.

Programa de cine Sala Z
El programa Sala Z (zinema) no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo desde la reflexión acerca de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico. Entre las cuestiones que atraviesan las obras del programa destaca el interés y la investigación que despliegan los y las autoras sobre la idea de lo colectivo, los modos en los que seguir pensando y trabajando en común y proyectando un futuro compartido.

Cada película se proyecta en la denominada Sala Z en loop durante un periodo aproximado de dos meses. Las películas son objeto de una conversación con autores y autoras. Con cada nuevo proyecto expositivo se edita una publicación que recoge una ficha técnica completa de los trabajos en sala y un texto específico escrito por distintos especialistas, críticos, historiadores…, de forma que se fomenta la ampliación, el análisis y la reflexión sobre las obras programadas.

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Paraíso. Maddi Barber / Marina Lameiro. Sala Z

Sala Z, desde el 2 de julio hasta el 12 de septiembre de 2021
Sala Z es un programa de cine comisariado por Garbiñe Ortega
Estreno de Paraíso: viernes 2 de julio, desde las 11:00 horas
Duración: 22minutos
Publicación, con texto de María Palacios Cruz
Proyección de la película y charla con las directoras: viernes 2 de julio, 18:00 horas
La producción de esta película ha contado con la colaboración de Corporación Mondragon

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The exhibition reviews a series of historical pedagogical practices based on self-construction and play to create a space for meeting and learning. The exhibition also includes works by artists such as Carme Nogueira, Raphael Escobar and Abraham Cruzvillegas

Artium Museum, Museum of Contemporary Art of the Basque Country presents the exhibition Self-construction. Loose Parts. Play and Experience. Antonio Ballester Moreno (A3 Gallery, until 1 November 2021). The project stems from Artium’s process of reflecting on its relationship with its urban and social context and specifically on the potential of its inner courtyard as a meeting point for its surrounding area. Ballester, an artist with whom Artium has discussed this issue, reviews a series of historical pedagogical practices based on self-construction and play to create in this project, which has been designed not to be an exhibition in the usual sense, a space for meeting and learning. The exhibition, which also includes works by Carme Nogueira, Raphael Escobar and Abraham Cruzvillegas, is curated by Ángel Calvo Ulloa and has been produced in collaboration with Dinamoa Sormen Gunea in Azpeitia and the students and teaching staff of Barrutia Ikastola in Vitoria-Gasteiz.

Antonio Ballester Moreno’s exhibition Self-construction. Loose Parts. Play and Experience is the result of various collaborative processes that were begun as part of Plazaratu, the reflection process on Artium’s connection as an institution and architectural structure with its surroundings and its ability to become a meeting point and centre for social relations.

Ballester Moreno uses methods tied to pedagogy in his artistic practice and in several projects involves groups of schoolchildren and occasionally adults to shape an initial idea. In his proposal for Artium Museum, the artist has referred to a series of pedagogical practices developed in the 20th century that were based on self-construction as play as well as to transforming action – building, rebuilding, repairing, remodelling – into a way of learning, education and living. The English architect Lady Allen of Hurtwood, the Danish activist Palle Nielsen, the Italian architect Enzo Mari and the English artist Simon Nicholson are some of the figures that inspired these experiences, as the curator Ángel Calvo Ulloa explains at length in the publication accompanying this exhibition.

Artium’s A3 Gallery is therefore housing objects produced in the workshops conducted in spring by Antonio Ballester Moreno in an educational centre such as Barrutia Ikastola in Vitoria-Gasteiz and in a creative space such as Dinamoa Sormen Gunea in Azpeitia.

In the case of Barrutia Ikastola, following the practice of Enzo Mari and his autoprogettazione? manual, as well as Simon Nicholson’s Theory of Loose Parts, the artist invited students, families and teachers to participate in a workshop to construct furniture. Created using basic pieces and tools and following plans and instructions produced for that purpose, these objects – tables, benches, platforms, cabins – have converted the A3 Gallery into a square, a park that also opens up to Artium’s outdoor area, to its urban garden.

The exhibition also includes the installation of a large mural measuring 30 metres long by 4 metres high that features a set of 164 silkscreen prints produced in the workshop that Ballester Moreno directed at Dinamoa Sormen Gunea based on the designs proposed by the artist.

This tendency of Ballester Moreno “to work on projects that are diluted in the collective”, as the curator points out, is underlined by the invitation to other artists to participate in Self-construction...: Carme Nogueira and the workshops she developed based on Buñuel's documentary Las Hurdes, Tierra Sin Pan and the innovative pedagogical experiences developed in that region of Extremadura in the 1930s, Raphael Escobar and Os Cupins das Artes and the workshops conducted with homeless people in São Paulo, and Abraham Cruzvillegas and the processes of self-construction rooted in the working-class neighbourhoods of Mexico City that can be traced back in his artistic practice.

Ballester Moreno has staged solo exhibitions at Museo Patio Herreriano in Valladolid; La Casa Encendida in Madrid; MAZ in Guadalajara, Mexico; MUSAC in León; Galería Maisterra-Valbuena in Madrid; Pedro Cera in Lisbon; Christopher Grimes in Santa Monica, and Peres Projects in Berlin and Los Angeles. He has also participated in group exhibitions, such as at the 33rd Sao Paulo Biennial, as artist and curator, MSU Broad Museum in  Michigan and CA2M in Madrid, as well as in galleries in New York, Berlin and Los Angeles, among others. His work can be found in the collections of the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MUSAC in León, CA2M in Madrid, Colección Iberdrola and Fundación Helga de Alvear.

Press release (pdf)  Image request  List of works  Exhibition

Antonio Ballester Moreno. Self-construction. Loose Parts. Play and Experience
A3 Gallery, from 25 June to 1 November 2021
Curator: Ángel Calvo Ulloa
Publication with essay by Ángel Calvo Ulloa
Conversation with the artist: Friday 25 June at 6pm
Special opening hours: open continuously from 11am to 8pm
This exhibition has been made possible thanks to the collaboration of Barrutia Ikastola in Vitoria-Gasteiz and Dinamoa Sormen Gunea in Azpeitia

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