La exposición do mess with me contiene los vídeos <3 S P S <3 BLOOD y <3 S P S <3 INK adquiridos en 2020 dentro del plan de apoyo al sector artístico del Gobierno Vasco. Contextos desde una colección, al igual que a los casos de estudio y las rotaciones dentro de la exposición Zeru bat, hamaika bide, pretende incrementar la visibilidad del excepcional fondo contemporáneo del museo

El Museo Artium, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta dentro del programa expositivo Contextos desde una colección, dos vídeos de la artista Lorea Alfaro, <3 S P S <3 BLOOD y <3 S P S <3 INK, recientemente adquiridos para la Colección del museo (Sala A02, hasta el 16 de enero de 2022). La exposición do mess with me incluye además de estas dos piezas una selección de obras de Alfaro, entre ellas las piezas realizadas con papel pintado Paski y Paretara, y el vídeo Tú re-post. La muestra incluye también la edición de la publicación do mess with me, que contiene una conversación entre Lorea Alfaro y el fotógrafo Rafa Castells. Contextos desde una colección conforma una serie de exposiciones dedicada a dar a conocer la producción de artistas que recientemente han pasado a formar parte de los fondos del Museo.

La serie <3 S P S <3 (2016-2017), de la que forman los dos vídeos, representa una forma contemporánea de retrato. Parte del diseño de una camisa de seda hecha a medida para el retratado, un conocido cantante de la escena del trap español. Lorea Alfaro concibe el diseño de la camisa como la realización de un molde: «Un molde es una pieza [CAMISA], o conjunto de piezas acopladas [PATRÓN], interiormente huecas pero con los detalles e improntas exteriores del futuro sólido que se desea obtener [ÉL]. Generalmente, un molde flexible [SEDA] se monta con un contra-molde rígido [VÍDEO] o “madre” [MADRE] que sujete la forma evitando su deformación [VÍDEO]. La ventaja de los moldes flexibles es permitir su desmolde con más delicadeza [SILK], procurando un mejor resultado de la pieza; además, es más liviano [SILK] y duradero [ARTE]».

El estampado de la camisa tiene como motivo repetido el tatuaje que tenía en el antebrazo un familiar de la autora. La exposición muestra la relación que hay entre estos dos vídeos y dos trabajos previos, Paretara y Paski (vinilo sobre pared, 2014-2021), y uno posterior, el vídeo Tú, re-post (2017). Estas relaciones, presentes en todo su trabajo, señalan el interés de esta artista por buscar la manera de insertar en la vida elementos que provengan de un tipo de atención, de cuidado, de tiempo, distintos a los que se dan en los objetos cotidianos.

Lorea Alfaro (Estella-Lizarra, 1982) es artista. Sus trabajos más recientes se han podido ver en las exposiciones 2020, junto con Jon Otamendi (Fundación Joan Miró, 2021), Un mundo sin cualidades (Galería CarrerasMugica, 2020) o No lo banalices (Galería CarerrasMugica, 2018, 948Merkatua, 2019). Desde 2014 trabaja a través de la marca hueca LA. Por otra parte, con motivo de esta exposición, el Museo ha editado un nuevo ejemplar de la serie #Bilduma, en la que se publican textos de escritores, comisarios e historiadores sobre obras y artistas que forman parte de su fondo patrimonial de carácter público. En esta ocasión, la publicación recoge una conversación entre Lorea Alfaro y el también artista Rafa Castells.

Contextos desde una colección
Contextos desde una colección, el programa al que pertenece esta exposición de Lorea Alfaro, se suma a partir de 2021 a otras iniciativas que tienen como finalidad promover el conocimiento de la Colección del Museo Artium, un excepcional fondo contemporáneo de carácter público integrado por casi 2.400 obras de arte. Así, además de la exposición permanente de la Colección, Zeru bat, hamaika bide, la Sala A01 acoge casos de estudio y exposiciones vinculadas al trabajo de investigación y la cronología 1977-2002 desplegada en esta muestra. La propia exposición Zeru bat, hamaika bide conoce periódicamente modificaciones que incorporan nuevos recorridos internos. La creación de la serie #Bilduma dentro del programa de publicaciones del Museo se enmarca en este mismo objetivo.

El programa de adquisiciones del Museo contribuye a explorar y a dar cuenta de los debates y las prácticas que se están desarrollando en el campo del arte en el momento presente, y es además una herramienta indispensable para tomar el pulso a un momento caracterizado por su dinamismo y su complejidad. Esta es una de las funciones fundamentales del Museo: fomentar la producción de patrimonio contemporáneo e impulsar a los y las artistas y sus producciones.

Daniel Llaría, Nadia Barkate y Lorea Alfaro son las y los artistas que han participado en este programa en 2021.

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes  Exposición 

Lorea Alfaro. do mess with me. Contextos desde una colección

Sala A02, desde el 17 de septiembre de 2021 hasta el 16 de enero de 2022
Publicación: do mess with me. Lorea Alfaro/Rafa Castells.    

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La artista británica es conocida por su trabajo cinematográfico, que compagina con su interés por la pintura y el grabado. La obra de Nashashibi muestra «la importancia de tejer lazos que puedan (…) hacer posible una existencia más agradable y amable». La muestra incluye varias pinturas realizadas durante la estancia de la artista en el Museo Artium para el montaje del proyecto

El Museo Artium, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta a la artista Rosalind Nashashibi en un nuevo proyecto expositivo para su programa Sala Z (hasta el 14 de noviembre de 2021). La propuesta incluye la proyección de dos películas de la artista británica, Vivian’s Garden y Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, junto con diversas pinturas realizadas por Nashashibi durante su estancia en el museo con motivo de la preparación de la exposición. Con este motivo, el museo ha editado una publicación con texto de Francisco Salas. El programa Sala Z integra un espacio para visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo, y está comisariado por Garbiñe Ortega.

Rosalind Nashashibi (Croydon, Londres, 1973) es conocida fundamentalmente por sus trabajos cinematográficos en formato de 16mm; realiza películas que parten de experiencias personales y de la observación del comportamiento humano y las relaciones sociales en determinadas comunidades. La artista compagina el cine con su interés por la pintura y el grabado como formas de expresión. Junto a las dos películas que se proyectarán en la Sala Z, la artista ha realizado diversas pinturas para este proyecto en el Museo Artium. En sus obras tienen cabida cuestiones como el compromiso político y social, el género, la familia o el sentido de comunidad.

Tal y como indica Francisco Salas en su texto para la publicación, «la capacidad de Rosalind Nashashibi de aportar una perspectiva humanista a la temática de sus películas hace de ella una artista esencial en el contexto de un mundo necesitado de una belleza más sensible y significativa». Salas destaca también en Nashashibi «la importancia de tejer lazos que puedan sostener y hacer posible una existencia más agradable y amable».

Las películas
Vivian’s Garden (El jardín de Vivian) (2017) muestra la relación entre Vivian Suter y su madre, Elisabeth Wild, dos artistas emigradas suizo/austríacas que viven en la selva de Panajachel, Guatemala, donde han desarrollado una composición matriarcal en un entorno que ofrece tanto refugio como terror. La película recoge la mirada cercana y soñadora de sus vidas artísticas, emocionales y económicas, además de las ampliaciones de sus familias: los mayas como ayudantes y guardianes de la casa y unos cuantos perros, lo que nos muestra un reflejo tierno en un momento de complejidad poscolonial.

Por su parte, la película Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, (Primera parte:Donde hay un ambiente festivo, aparecerá un camarada para compartir un vaso de vino) (2018), se aproxima a las relaciones afectivas y a la construcción de comunidad. Toma forma de conjuro o promesa acerca de un tipo de estructura familiar liberador. Su narrativa, no lineal, entrelaza varios escenarios de la intimidad, algunos situados en espacios domésticos compartidos, otros en ambientes exteriores. Rodada en Lituania, Londres y Edimburgo, la película presenta a la artista y a sus hijos, así como a sus amigos íntimos, a los que considera familia extensa, y con los que explora nuevos modos de convivencia.

Las pinturas
Nashashibi ha realizado in situ para este proyecto tres pinturas dobles, que la conectan con el entorno. En una de ellas aparece una sandía, imagen utilizada como sustituta de la bandera palestina, ya que la combinación de sus colores —negro, blanco, verde y rojo— fue ilegalizada por las fuerzas de ocupación israelíes desde 1967 hasta después de la formación de la entidad palestina. Nashashibi señala la similitud con los colores de la bandera vasca.

La artista cita asimismo el conjuro de la cultura tradicional vasca «laino guztien azpitik eta sasi guztien azpitik» (por debajo de todas las nubes… y por encima de todas las zarzas) al que se hace referencia en al exposición Zeru bat, hamaika bide, de la Colección del museo. Adoptado por el poeta Joxean Artze en 1973, definió, como la sandía en la Palestina ocupada, un campo de acción social y político, poniendo la tierra en el centro de la lucha.

Experimentar el momento en múltiples capas ha sido un tema recurrente en las pinturas y películas de Nashashibi. Por debajo las nubes y por encima de las zarzas; del mismo modo, las formas de estas pinturas habitan distintos estados: partidas por la mitad, están tanto en el suelo como por encima de él.

Rosalind Nashashibi
Nashashibi es una cineasta y pintora afincada en Londres. Sus películas describen las cualidades de la experiencia, las cosas y los lugares. Se plantea algunas preguntas: ¿cómo trabajamos?; ¿cómo nos cuidamos unos a otros?; ¿cómo podemos navegar por nuestras propias instituciones?

Entre sus exposiciones individuales se incluyen las organizadas en el Museo Imperial de la Guerra, Londres; UCI de California; Objectif, Amberes; Institute of Contemporary Arts, Londres; y Chisenhale Gallery, también en la capital del Reino Unido. Ha expuesto en Manifesta 7, la Trienal Nórdica y Sharjah 10. Representó a Escocia en la 52ª edición de la Bienal de Venecia. Ha recibido el premio Paul Hamlyn para artistas y en 2003 fue la primera mujer en ganar el Becks Futures. En 2017 participó en la documenta14 de Atenas y Kassel, y ha sido nominada para el Premio Turner.

Sala Z
El programa Sala Z (zinema) no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo desde la reflexión acerca de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico. Entre las cuestiones que atraviesan las obras del programa destaca el interés y la investigación que despliegan sus autores y autoras sobre la idea de lo colectivo, los modos en los que seguir pensando y trabajando en común y proyectando un futuro compartido

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes. Rosalind Nashashibi  Exposición 

Rosalind Nashashibi. Vivian's Garden / Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine

Sala Z, desde el 17 de septiembre hasta el 14 de noviembre de 2021
Películas

  • Vivian's Garden, 2017, 30 min. Transferencia digital de película de 16 mm.
  • Part One: Where There Is a Joyous Mood, There a Comrade Will Appear to Share a Glass of Wine, 2018, 18 min. Transferencia digital de película de 16 mm.

Publicación, con texto de Francisco Salas
Sala Z es un programa de cine comisariado por Garbiñe Ortega

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Incluida en el programa Sala Z, el film presenta un territorio en transformación tras años de abandono de la actividad agrícola. La película combina escenas rodadas en 16 mm e imágenes obtenidas mediante medios digitales.

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco presenta el estreno de Paraíso, la nueva película de las directoras Maddi Barber y Marina Lameiro, producida en el marco del programa Sala Z del Museo Artium. El cortometraje, de 22 minutos de duración, recorre un territorio en transformación que sus vecinos quieren recuperar después de décadas de abandono de la actividad agrícola. Barber y Lameiro combinan la filmación con la captura de imágenes con tecnologías digitales de captura de datos. Con motivo de esta exposición, el Museo Artium ha editado una publicación con texto de María Palacios Cruz, comisaria, profesora e investigadora sobre imagen en movimiento. La producción de la película ha contado con la colaboración de Corporación Mondragon. El programa Sala Z está comisariado por Garbiñe Ortega.

La película comienza en la oscuridad, mientras una voz de mujer describe las imágenes que ve, o las que se le ha permitido ver. Como explica María Palacios Cruz, “ella las entiende como referidas a la «muerte», pero en ellas no hay tristeza ni dureza. Todo forma parte del orden natural de las cosas: vida y muerte son inseparables. Más tarde sabremos que las imágenes que describe la mujer son las voces de los árboles de un bosque que va a ser deforestado”. Y es que tras el abandono de los pueblos durante los años 60 en el Valle de Arce, el Gobierno de Navarra plantó pinos en los campos que se labraban o eran pasto para los animales. Más de 50 años después en uno de estos pueblos han decidido talar los pinos y recuperar los campos, las prácticas agrícolas y el modo de vida que estuvo a punto de desaparecer con la despoblación de las zonas rurales en favor de las ciudades. Sus habitantes siempre le llamaron a ese lugar «el Paraiso».

Maddi Barber y Marina Lameiro han realizado esta película combinando el rodaje analógico en 16 mm y su particular textura con la captura de imágenes digitales mediante un escáner de paisajes en tres dimensiones. La exposición incorpora además una serie de mapas topográficos y ortofotografías de distintas épocas que demuestran la sucesiva transformación de este territorio del Valle Arce, junto con un herbario con muestras recogidas en la zona en la que se ha rodado la película. Una serie de imágenes del making-of y una pieza sonora que conserva la memoria de los sonidos del bosque completan el proyecto.

Paraíso es la primera colaboración entre Maddi Barber y Marina Lameiro. Tanto Barber como Lameiro han formado parte de procesos colectivos y participativos con anterioridad, pero Paraíso no es tanto un intercambio entre sus respectivas prácticas artísticas, sino un intercambio, tanto humano como no humano, con y entre los habitantes de los bosques de los alrededores de Lakabe; una historia contada por los árboles que van a ser talados para dejar espacio a tierras de pasto.

Las directoras
Maddi Barber (Lakabe, 1988) es autora de películas como 592  metroz goiti (2018) y Urpean lurra, entre las más recientes. Sus trabajos han podido verse en festivales como Visions du Réel, San Sebastián (Zabaltegi), Punto de Vista, Ji.hlava, Porto Post Doc y Las Palmas, entre otros. En este momento se encuentra trabajando en el desarrollo de su primer largometraje, Claros de bosque.

Marina Lameiro (Pamplona, 1986) es cineasta y productora. En 2018 estrena su primer largometraje Young & Beautiful, que obtuvo premios y reconocimientos en numerosos festivales. Su segundo largometraje Dardara, entró en la lista de las 10 películas más vistas en salas de cine tras su estreno en el festival Punto de Vista.

Programa de cine Sala Z
El programa Sala Z (zinema) no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo desde la reflexión acerca de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico. Entre las cuestiones que atraviesan las obras del programa destaca el interés y la investigación que despliegan los y las autoras sobre la idea de lo colectivo, los modos en los que seguir pensando y trabajando en común y proyectando un futuro compartido.

Cada película se proyecta en la denominada Sala Z en loop durante un periodo aproximado de dos meses. Las películas son objeto de una conversación con autores y autoras. Con cada nuevo proyecto expositivo se edita una publicación que recoge una ficha técnica completa de los trabajos en sala y un texto específico escrito por distintos especialistas, críticos, historiadores…, de forma que se fomenta la ampliación, el análisis y la reflexión sobre las obras programadas.

Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes 

Paraíso. Maddi Barber / Marina Lameiro. Sala Z

Sala Z, desde el 2 de julio hasta el 12 de septiembre de 2021
Sala Z es un programa de cine comisariado por Garbiñe Ortega
Estreno de Paraíso: viernes 2 de julio, desde las 11:00 horas
Duración: 22minutos
Publicación, con texto de María Palacios Cruz
Proyección de la película y charla con las directoras: viernes 2 de julio, 18:00 horas
La producción de esta película ha contado con la colaboración de Corporación Mondragon

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The exhibition reviews a series of historical pedagogical practices based on self-construction and play to create a space for meeting and learning. The exhibition also includes works by artists such as Carme Nogueira, Raphael Escobar and Abraham Cruzvillegas

Artium Museum, Museum of Contemporary Art of the Basque Country presents the exhibition Self-construction. Loose Parts. Play and Experience. Antonio Ballester Moreno (A3 Gallery, until 1 November 2021). The project stems from Artium’s process of reflecting on its relationship with its urban and social context and specifically on the potential of its inner courtyard as a meeting point for its surrounding area. Ballester, an artist with whom Artium has discussed this issue, reviews a series of historical pedagogical practices based on self-construction and play to create in this project, which has been designed not to be an exhibition in the usual sense, a space for meeting and learning. The exhibition, which also includes works by Carme Nogueira, Raphael Escobar and Abraham Cruzvillegas, is curated by Ángel Calvo Ulloa and has been produced in collaboration with Dinamoa Sormen Gunea in Azpeitia and the students and teaching staff of Barrutia Ikastola in Vitoria-Gasteiz.

Antonio Ballester Moreno’s exhibition Self-construction. Loose Parts. Play and Experience is the result of various collaborative processes that were begun as part of Plazaratu, the reflection process on Artium’s connection as an institution and architectural structure with its surroundings and its ability to become a meeting point and centre for social relations.

Ballester Moreno uses methods tied to pedagogy in his artistic practice and in several projects involves groups of schoolchildren and occasionally adults to shape an initial idea. In his proposal for Artium Museum, the artist has referred to a series of pedagogical practices developed in the 20th century that were based on self-construction as play as well as to transforming action – building, rebuilding, repairing, remodelling – into a way of learning, education and living. The English architect Lady Allen of Hurtwood, the Danish activist Palle Nielsen, the Italian architect Enzo Mari and the English artist Simon Nicholson are some of the figures that inspired these experiences, as the curator Ángel Calvo Ulloa explains at length in the publication accompanying this exhibition.

Artium’s A3 Gallery is therefore housing objects produced in the workshops conducted in spring by Antonio Ballester Moreno in an educational centre such as Barrutia Ikastola in Vitoria-Gasteiz and in a creative space such as Dinamoa Sormen Gunea in Azpeitia.

In the case of Barrutia Ikastola, following the practice of Enzo Mari and his autoprogettazione? manual, as well as Simon Nicholson’s Theory of Loose Parts, the artist invited students, families and teachers to participate in a workshop to construct furniture. Created using basic pieces and tools and following plans and instructions produced for that purpose, these objects – tables, benches, platforms, cabins – have converted the A3 Gallery into a square, a park that also opens up to Artium’s outdoor area, to its urban garden.

The exhibition also includes the installation of a large mural measuring 30 metres long by 4 metres high that features a set of 164 silkscreen prints produced in the workshop that Ballester Moreno directed at Dinamoa Sormen Gunea based on the designs proposed by the artist.

This tendency of Ballester Moreno “to work on projects that are diluted in the collective”, as the curator points out, is underlined by the invitation to other artists to participate in Self-construction...: Carme Nogueira and the workshops she developed based on Buñuel's documentary Las Hurdes, Tierra Sin Pan and the innovative pedagogical experiences developed in that region of Extremadura in the 1930s, Raphael Escobar and Os Cupins das Artes and the workshops conducted with homeless people in São Paulo, and Abraham Cruzvillegas and the processes of self-construction rooted in the working-class neighbourhoods of Mexico City that can be traced back in his artistic practice.

Ballester Moreno has staged solo exhibitions at Museo Patio Herreriano in Valladolid; La Casa Encendida in Madrid; MAZ in Guadalajara, Mexico; MUSAC in León; Galería Maisterra-Valbuena in Madrid; Pedro Cera in Lisbon; Christopher Grimes in Santa Monica, and Peres Projects in Berlin and Los Angeles. He has also participated in group exhibitions, such as at the 33rd Sao Paulo Biennial, as artist and curator, MSU Broad Museum in  Michigan and CA2M in Madrid, as well as in galleries in New York, Berlin and Los Angeles, among others. His work can be found in the collections of the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MUSAC in León, CA2M in Madrid, Colección Iberdrola and Fundación Helga de Alvear.

Press release (pdf)  Image request  List of works  Exhibition

Antonio Ballester Moreno. Self-construction. Loose Parts. Play and Experience
A3 Gallery, from 25 June to 1 November 2021
Curator: Ángel Calvo Ulloa
Publication with essay by Ángel Calvo Ulloa
Conversation with the artist: Friday 25 June at 6pm
Special opening hours: open continuously from 11am to 8pm
This exhibition has been made possible thanks to the collaboration of Barrutia Ikastola in Vitoria-Gasteiz and Dinamoa Sormen Gunea in Azpeitia

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Se trata un grupo significativo de dibujos y esculturas, de los cuales, cinco acuarelas de distintos formatos que pertenecen a la serie Tuya gigante, tuya occidental, han entrado a formar parte de la Colección del Museo de manera reciente. Contextos desde una Colección, al igual que a los casos de estudio y las rotaciones dentro de la exposición Zeru bat, hamaika bide, pretende incrementar la visibilidad del excepcional fondo contemporáneo del Museo

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium, presenta dentro del programa expositivo Contextos desde una colección, un conjunto de cinco acuarelas de distintos formatos de la artista Nadia Barkate de reciente adquisición, pertenecientes a la serie Tuya gigante, tuya occidental (Sala A02, hasta el 5 de septiembre de 2021). Estas piezas se contextualizan con una selección de obras de Barkate, acuarelas y esculturas en vidrio soplado, producidas en los últimos tres años. Contextos desde una colección conforma una serie de exposiciones dedicada a dar a conocer la producción de artistas que recientemente han pasado a formar parte de los fondos del Museo.

Nadia Barkate (Bilbao, 1980) desarrolla su trabajo a través del dibujo y sus inercias. En su práctica está muy presente cierta voluntad narrativa que vincula lo cotidiano, lo manual y la palabra. Tuya gigante, tuya occidental es parte de un grupo de acuarelas de pequeño y gran formato que Barkate realizó a lo largo de 2018 y 2019. Surgieron, según la artista, de momentos de ensimismamiento en su estudio en los que tomó conciencia de los gestos que acostumbraba a hacer con las manos mientras estaba concentrada.

La exposición presenta cinco piezas adquiridas en 2020 en el marco del plan de apoyo al sector artístico del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, que forman parte del fondo Colección compartida, seleccionado por el Museo Artium, Tabakalera de San Sebastián y el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Además, estas cinco obras se contextualizan con otras seis acuarelas y cinco esculturas en vidrio soplado de reciente producción, piezas procedentes en algunos casos de colecciones particulares.

Nadia Barkate ha expuesto recientemente en espacios como: Okela (Bilbao), Galería MPA (Madrid), Galleria Nappa and Studio Mustanapa, (Rovaniemi,2021), Lìtost Gallery (Praga, 2020), Bombón Projects (Barcelona,2019), Westfälischer Kunstverein (Münster, 2019), Museo de Bellas Artes de Bilbao (2018), Tabakalera (San Sebastián, 2018), Ethall (Barcelona, 2018), Alhóndiga (Bilbao, 2018), Carreras Múgica (Bilbao, 2015), Altes Finanzamt (Berlin, 2015), Espai 01 (Olot, 2012), Montehermoso (Vitoria-Gasteiz, 2010), entre otros.

Por otra parte, con motivo de esta exposición, el Museo ha editado un nuevo ejemplar de la serie #Bilduma, en la que se publican textos de escritores, comisarios e historiadores sobre obras y artistas que forman parte de su fondo patrimonial de carácter público. En esta ocasión, el autor del texto en torno a la obra de Barkate es Mariano Mayer (Buenos Aires, Argentina, 1971), poeta y comisario de exposiciones. Desde el 2002 vive en Madrid. Entre sus últimos proyectos figura la exposición Azucena Vieites. Playing Across Papers, Sala Alcalá 31 (Madrid, 2020). Es autor del libro Fluxus Escrito. Actos textuales antes y después de Fluxus.

Contextos desde una Colección

Contextos desde una colección, el programa al que pertenece esta exposición de Nadia Barkate, se suma a partir de 2021 a otras iniciativas que tienen como finalidad promover el conocimiento de la Colección del Museo Artium, un excepcional fondo contemporáneo de carácter público integrado por casi 2.400 obras de arte. Así, además de la exposición permanente de la Colección, Zeru bat, hamaika bide, la Sala A01 acoge casos de estudio y exposiciones vinculadas al trabajo de investigación y la cronología 1977-2002 desplegada en esta muestra. La propia exposición Zeru bat, hamaika bide conoce periódicamente modificaciones que incorporan nuevos recorridos internos. La creación de la serie #Bilduma dentro del programa de publicaciones del Museo se enmarca en este mismo objetivo.

El programa de adquisiciones del Museo contribuye a explorar y a dar cuenta de los debates y las prácticas que se están desarrollando en el campo del arte en el momento presente, y es además una herramienta indispensable para tomar el pulso a un momento caracterizado por su dinamismo y su complejidad. Esta es una de las funciones fundamentales del Museo: fomentar la producción de patrimonio contemporáneo e impulsar a los y las artistas y sus producciones.

El artista Daniel Llaría fue el primero en exponer en el espacio A02, mientras que después de Nadia Barkate lo hará Lorea Alfaro.

La exposición  Obras en exposición  Nota de prensa (pdf)  Solicitud de imágenes 

Nadia Barkate. Tuya gigante, tuya occidental. Contextos desde una exposición
Sala A02, desde el 29 de mayo hasta el 5 de septiembre de 2021
Publicación: Nadia Barkate. Mi momia. Serie #Bilduma. Texto de Mariano Mayer.

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La exposición presenta once propuestas que incluyen fotografías, instalaciones y objetos pertenecientes a distintas series pero con una misma lógica espacial. Salaberria pone en primer plano significante el espacio y su capacidad para condicionar el comportamiento y el modo de mirar y sentir

Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, presenta la muestra Una exposición sin arquitectura, de Xabier Salaberria (Sala A1, hasta el 3 de octubre de 2021). La exposición presenta once grupos de obras que incluyen fotografías, instalaciones y objetos, conectados a cuestiones como la función de la arquitectura, la representación del paisaje y el territorio, y los aspectos técnicos de la museografía. Cada una de estas obras mantiene su propia entidad al tiempo que se relacionan bajo una misma lógica espacial. A las últimas producciones del artista se añaden tanto trabajos más antiguos como la memoria de propuestas anteriores. Con motivo de esta exposición, el museo ha editado una publicación con texto del historiador del arte y escritor Lars Bang Larsen. Una exposición sin arquitectura está comisariada por Beatriz Herráez y Enrique Martínez Goikoetxea.

El trabajo de Xabier Salaberria (San Sebastián, 1969) se desplaza entre los ámbitos de la escultura, el diseño y la organización de espacios y la arquitectura. La suya es una práctica que se asienta en el estudio de la historia de las técnicas, los materiales y los objetos. Fotografía, dibujo e instalación son los medios empleados por el artista en propuestas como la producida en el contexto de su exposición en el Museo Artium. Un espacio que interpreta y en el que interviene a partir del estudio de distintos displays expositivos, dibujando en las salas un sistema de recorridos para adentrarse en los cruces propuestos entre aspectos técnicos de la museografía, las funciones e historias de la arquitectura y la representación del paisaje y el territorio.

A través de la negación explícita del título Una exposición sin arquitectura, el autor trae a un primer plano significante el espacio, sus muros, alturas, recorridos… y cómo estos condicionan el comportamiento y el modo de mirar y sentir las propuestas que recoge. Ya desde el título, Salaberria crea un espacio para la especulación donde pensar en el poder de la arquitectura, la exposición y el display, y en cómo estas influyen en la narrativa y en nuestra lectura.

La exposición presenta once propuestas que incluyen fotografías, instalaciones y objetos. Con origen en distintas series, los trabajos mantienen su propia entidad al tiempo que se complementan bajo una misma lógica espacial. La instalación que da título al proyecto, Una exposición sin arquitectura, de este mismo año, se compone de una constelación de paneles modulares en los que cuelga imágenes, planos y proyectos de trabajos realizados como diseñador de exposiciones y espacios —entre los que se incluye el realizado para el museo—. Alterados en posición, color y función generan un territorio entre aplicación funcional y simbólica, habitual de su práctica artística. La exposición incorpora otros trabajos como r de radio, una instalación realizada en 2020, en la que 4 expositores metálicos verticales muestran una colección de cristales rotos, o Bézier (2020), 8 planchas de aluminio que trasladan a un soporte plano, a modo de texto, las siluetas de los fragmentos de vidrio.

Junto a varias fotografías de momentos previos de su trayectoria, se incorpora una nueva serie de fotografías, un friso de 5 imágenes tomadas en Agiña (Serie friso Oteiza). Las fotografías ponen en relieve los accidentes, fortuitos o no, de la superficie y aristas del monumento que Jorge Oteiza realizó en memoria del Padre Donostia. Parecen hacer dialogar al espacio sagrado del crómlech microlítico oteiziano con el profano de las crestas de las peñas de Aya, a la memoria del monumento con las formas casuales accidentales o violentas de su silueta.

Las fotografías subvierten asimismo las convenciones y normativa expositiva habituales. Es a través de estas alteraciones con las que Salaberria reclama la atención al espacio, a la arquitectura, a los dispositivos como elementos que generan significado en el lugar donde se instalan.

Xabier Salaberria vive y trabaja en Donostia. Su periodo de formación está vinculado al Centro de Arte Arteleku, donde participa en talleres como los impartidos por Txomin Badiola y Ángel Bados en 1998 o Peio Irazu, el mismo año, un espacio de encuentro y discusión que mantiene como lugar de trabajo y referencia a lo largo del tiempo. Los numerosos programas de residencias en los que ha participado le han llevado a pasar largos periodos en el extranjero —lo cual ha dado una amplia visibilidad a su trabajo— y ha colaborado en proyectos comisariados por Peio Agirre, Chus Martínez, Lars Bang Larsen o Catalina Lozano, entre otros. Entre sus últimas exposiciones destacan r de radio, Carreras Múgica, Bilbao (2020); Ganar Perdiendo, Centro Centro, Madrid (2019); Restos materiales, obstáculos y herramientas, 32ª Bienal de Sao Paulo (2016); Can-ni-faire, Carreras Mugica (2016); Proceso y Método. (A.T.M.O.T.W.) Xabier Salaberria, Guggenheim Bilbao (2013); The Society Without Qualities, Tensta Konsthall, Stockholm (2013); e Inkontziente-Kontziente (Scenario1 about Europe), GFZK, Leipzig 2011.

En 2008 es reconocido con el Premio GureArtea, en 2009 recibe la Beca de creación de la Fundación Marcelino Botín y en 2011, la Beca de Arte e Investigación del Centro de Arte Montehermoso de Vitoria-Gasteiz. Además de la colección de Artium Museoa, su obra está presente en colecciones públicas y museos como el MACBA de Barcelona, la Fundación Marcelino Botín de Santander, el TEA, de Santa Cruz de Tenerife, la Colección Sabadell, o el Museo de Bellas Artes y Museo Guggenheim de Bilbao.

Nota de prensa (pdf)  Lista de obras (pdf)  Solicitud de imágenes  Una exposición sin arquitectura   

Xabier Salaberria. Una exposición sin arquitectura
Sala A1, desde el 21 de mayo hasta el 3 de octubre 2021
Comisariado: Beatriz Herráez, Enrique Martínez Goikoetxea
Publicación con texto de Lars Bang Larsen

Actividad relacionada
Conversación entre Xabier Salaberria, Beatriz Herráez y Enrique Martínez Goikoetxea
Viernes 21 de mayo, 18:00 horas

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Cardón cardinal es el resultado de la investigación sobre el traslado de un ejemplar de cactus endémico de México a Sevilla para la Exposición Universal de 1992. El programa Sala Z presentará en 2021 cuatro producciones de artistas y cineastas que comparten los lenguajes del arte y del cine

El Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco Artium pone en marcha el programa Sala Z (de zinema, cine en euskera) con la película de Patricia Esquivias Cardón cardinal, surgida de la investigación sobre el traslado de un cactus gigante, un cardón, de 18 toneladas de peso desde México hasta Sevilla con motivo de la Exposición Universal de 1992. La proyección se contextualiza con una selección de objetos y anotaciones de la artista vinculadas a la realización del proyecto. Sala Z construye en el Museo Artium un espacio de visibilización de obras de artistas que entran en el territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Maddi Barber y Marina Lameiro, Rosalynd Nashashibi y Eric Boudelaire forman parte del programa en 2021. El programa está comisariado por Garbiñe Ortega, investigadora y directora artística del Festival Punto de Vista.

El programa Sala Z no es un ciclo en una sala de cine, tampoco es una exposición. Es un proyecto que construye un espacio intermedio desde el que reflexionar y visibilizar obras de artistas que saltan al territorio cinematográfico y de cineastas que exploran el formato expositivo. Se trata de un programa que nace del gesto decidido de pensar la imagen en movimiento en el museo. Un programa que quiere acercar a los públicos a autores y autoras  interesadas en la búsqueda de nuevas formas narrativas desde el cuestionamiento de los géneros que categorizan históricamente el lenguaje cinematográfico.

En un ensayo titulado En defensa de la imagen pobre, la artista Hito Steyerl describe el modo en el que hace décadas la reestructuración neoliberal de la producción mediática desplazó la producción cinematográfica de carácter más experimental y ensayístico, haciéndola desaparecer de la esfera pública. Unas dinámicas que simultáneamente han generado la creación de nuevos circuitos de circulación y exhibición de las producciones independientes, entre las que se encuentran las salas de centros de arte y museos. Sin embargo, en este caso, lejos de sustituir la sala de proyección del Museo —una pantalla activa que se relaciona en muchos momentos con esta propuesta—, la incorporación de estas producciones audiovisuales propone explorar nuevos protocolos y tiempos en los visionados en los espacios expositivos.

La dinámica del programa es sencilla: cada película o selección de películas se proyecta en la denominada como Sala Z en loop durante un periodo aproximado de dos meses. Las películas son objeto de una conversación con autores y autoras. Con cada nuevo proyecto expositivo se edita una publicación que recoge una ficha técnica completa de los trabajos en sala y un texto específico escrito por distintos especialistas, críticos, historiadores…, de forma que se fomenta la ampliación, el análisis y la reflexión sobre las obras programadas.

Entre las reflexiones que atraviesan las obras de este programa que se extiende hasta finales del 2021, destaca el interés y la investigación que despliegan sus autores/as sobre la idea de lo colectivo, y los modos en los que seguir pensando y trabajando juntos/as y proyectando un futuro compartido.

Cardón Cardinal

Cardón Cardinal cuenta una versión ampliada de un acontecimiento ocurrido hace 26 años: el desplazamiento de un cactus gigante, un Pachycereus pringlei de 17 metros de altura y 18 toneladas, desde el desierto de Baja California al jardín del pabellón de México para la Exposición Universal del 92 en Sevilla. La pantalla de un ordenador presenta imágenes de un viaje a México y de otro a Sevilla, mientras una voz en off comparte la investigación llevada a cabo para intentar comprender la presencia del cactus gigante -especie de gran valor ecológico y etnológico endémica de la baja California- abandonado en Sevilla.

En la publicación realizada con motivo de este proyecto, Manuel Asín explica cómo “uno de los protagonistas de Cardón Cardinal es ese maravilloso cactus gigante transplantado de Baja  California a Sevilla con la excusa de causar admiración, pero al que acabaron construyendo un aparcamiento alrededor”, y se pregunta: “¿qué parte había de pasión y cuál de responsabilidad en el ingeniero Juan Siles Aguilera y en el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez cuando, en nombre de la arquitectura o la jardinería, hicieron que un cactus gigante de catorce metros de altura fuera arrancado del desierto mexicano para ser transplantado en Sevilla, a casi 10.000 kilómetros de distancia, con ocasión de la Exposición Universal de 1992?”.

Patricia Esquivias nació en Caracas y creció en Madrid. Se formó en Londres, (1997-2001) y amplió sus estudios en San Francisco (2005-2007). Ha expuesto sus trabajos de forma individual en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, Langenhagen Kunstverein, Stacion Pristina, CA2M Móstoles, MARCO Vigo, Hammer Museum, Museo Reina Sofía y White Columns. Ha participado en colectivas como Querer parecer noche, CA2M, Arte y cultura en torno a 1992, CAAC, Ficciones y territorios, Museo Reina Sofía y When Things Cast No Shadow, 5th Berlin Biennial for Contemporary Art.

 

Patricia Esquivias. Cardón cardinal. Sala Z
Desde el 13 de mayo hasta el 27 de junio de 2021
Publicación con texto de Manuel Asín. Introducción de Garbiñe Ortega y Beatriz Herráez
Comisariado: Garbiñe Ortega
Actividad relacionada: proyección de Cardón cardinal y conversación entre Patricia Esquivias y Garbiñe Ortega. Jueves 13 de mayo, 18:00 horas

Nota de prensa (pdf)  Exposiciones en Artium  Solicitud de imágenes 

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La exposición recorre 8 piezas audiovisuales de referencia en el uso de la imagen de animación durante el periodo de tránsito del soporte analógico a la creación digital

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The exhibition presents a selection of works made by the artist over the past five years, several of them produced for this exhibition

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Una selección de distintas series de pinturas, objetos e instalaciones, algunas de ellas inéditas, ofrece una aproximación a la trayectoria de la artista

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